怀斯论文

A. 没有真正的错误,只有被忽视的智慧的作文

几个问题，还有许多方面需要学校进一步来治理和改进。作为担负着培养未来建设者、环境保护者重任的学校，加强学生思想道德教育、加强节能环保意识教育，加强学校管理水平，减少污染，杜绝浪费，实在是一个不容忽视的重要课题。
为此，我们向所有高校发出倡议：
一、节约用电，刻不容缓
某高校新闻系的学生们针对校园浪费行为作了一次调查。据不完
全统计，学校一年电的浪费量是133682度，这些电足够一个普通家庭用58年。 高校是人口量最大的单位，作为这样一个庞大的单位来讲，各方面的资源利用量都是相当高的，尤其

B. 中文文章翻译英文

Abstract: Watercolor material is visual, tactile, a color, a texture, material occupying the space is used for artists in the creation of performance art language, contains a rich cultural connotations and spiritual point of physical form. It is the aesthetic sense of "presence" of the media; texture is its external behavior characteristics; it an integral techniques, the use of new materials will inevitably bring about corresponding new techniques. Aesthetic appeal as the times change and the main concepts, new materials, materials involved in the language generated watercolor, which passed the material to create artistic images to convey feelings, ideas, aesthetic value, spiritual formation. Language materials and materials showed the relationship between material and spiritual, the two are interdependent, the relationship between the physical existence of each other, the interdependence of material objects in the physical and chemical materials for the perceived language. From material to material language is a process from the physical to the spiritual, material is a proct of the times, constantly painting constitutes a prerequisite for innovation, are areas of human substance. To study materials have to first study the language material, there is no basic understanding of the material, we are the slaves of the material. Only by fully understanding of materials, develop materials, to control the material, master the material language. Watercolor is a creation of the main material to expand the concept of the aesthetic needs of the times fit with the material for the process contains time-sensitive, aesthetic, and innovative. Materials needed to expand the premises to accept and identify the material, in essence, is to make the new material to the spiritual from the material aspects of change and evolution. The specific language of the times the performance of materials for the watercolor character formation, mainly from abroad, the performance characteristics of British and American watercolors and Tangfaleier and Wise, and other famous artists, to expand the material to form a distinct character to interpret the times; domestic mainly Zhao-Min Wang and his disciples as representatives of the "broad school" Watercolor, Khamleck glass card watercolor and watercolor painting come on Sun NING Bu evidence; fully explain the unique aesthetic of the main object of mood and aesthetic of the material presented will be aware of this fit between language to form a unique spirit of the form, subject to the aesthetic of beauty in the imperfect world to create a perfect, in a meaningless world in search of meaning. Powerful evidence of watercolor materials which language to Zi Yu from the place of Languages and draw the right language character set of the era. Watercolor material language of art concepts and art a means of emotional transfer, brokerage and containers.

C. 急急急~~ 请写一篇有关费雯丽的文章（生平，作品和对她的评价）高一水平，生词不要太多。

费雯·丽是我非常喜爱的演员，我找了些资料，希望能给你帮助

费雯·丽（Vivien Leigh，1913年11月5日－1967年7月7日）

原名维维安·玛丽·哈特利（Vivien Mary Hartley），英国电影演员。她成功地饰演《乱世佳人》的斯佳丽·奥哈拉和《欲望号街车》的布兰奇·杜波依斯，两度获得奥斯卡奖。1999年，她被美国电影学会选为百年来最伟大的女演员第16名。

费雯·丽是一位多产的演员，她与丈夫劳伦斯·奥利弗（又译奥利维尔）在银幕上有多次合作，奥利弗导演了多部由她主演的电影。在她30年的表演生涯中，她饰演的角色多变，从诺埃尔·科沃德和萧伯纳喜剧的女主角到经典的莎士比亚剧作中的角色。

费雯·丽以美貌出名，她认为有时这一点使她不能作为一个女演员被认真对待，不过她的健康情况是她最大的障碍。躁郁症几乎伴随着她整个人生，她也因此获得了难以相处的名声，演艺生涯也几经起伏。1940年代中期，她被诊断为慢性结核，因为反复发作变得更加虚弱。1960年，她与奥利弗离婚，直到她因肺结核去世前，她很少出现在银幕和舞台上。

代表作品：

1965 - 愚人船（Ship of Fools）
1951 - 欲望号街车（获奥斯卡最佳女主角奖）
1946 - 凯撒和克利奥帕特拉（Caesar and Cleopatra）
1941 - 汉密尔顿夫人（又译：绝代佳人/ 忠魂鹃血离恨天）（That Hamilton Woman）
1940 - 21 Days
1940 - 魂断蓝桥
1939 - 乱世佳人《飘》(Gone with the wind) （获奥斯卡最佳女主角奖）
1938 - Sidewalks of London 1938 - Yank at Oxford, A
1937 - Storm in a Teacup - 茶杯里的风暴
1937 - Dark Journey - 黑暗旅程
1937 - Fire Over England - 英伦战火/火烧英伦
1935 - Gentlemen's Agreement - 绅士的协议
1935 - Look Up and Laugh -
1935 - Things Are Looking Up - 渐有起色
1935 - Village Squire, The - 乡村奇士
1934 - Things Are Looking Up
1935 - The Village Squire
1938 - A Yank at Oxford
1938 - St. Martin's Lane
1947 - Anna Karenina - 安娜卡列琳娜
1955 - The Deep Blue Sea
1961 - The Roman Spring of Mrs. Stone - 罗马之春

所获奖项

电影奖项：

■奥斯卡奖 Oscar / Academy Award
1940 获奖 最佳女主角 Gone with the Wind 乱世佳人
1952 获奖 最佳女主角 A Streetcar Named Desire 欲望号街车 【说明】费雯·丽未出席颁奖典礼，该奖由葛丽亚·嘉逊（Greer Garson）代领

■金球奖 Golden Globe Awards
1952 提名 最佳女主角（剧情类）A Streetcar Named Desire 欲望号街车

■英国学院奖 BAFTA
1953 获奖 最佳英国女演员 A Streetcar Named Desire 欲望号街车

■纽约影评人协会奖 NYFCC Award
1939 获奖 最佳女主角 Gone with the Wind 乱世佳人
1951 获奖 最佳女主角 A Streetcar Named Desire 欲望号街车

■西班牙圣后迪奖 Sant Jordi Awards
1957 获奖 特别奖 A Streetcar Named Desire 欲望号街车

■威尼斯电影节金狮奖 Venice Film Festival Volpi Cup
1951 获奖 最佳女演员 A Streetcar Named Desire 欲望号街车

其他表演奖项：

■戏剧 托尼奖 Tony Awards
1963 获奖 最佳女主角（音乐类） Tovarich 同志

其他荣誉：

■ 好莱坞星光大道明星 Star on the Walk of Fame
好莱坞名人大道6773号（6773 Hollywood Blvd）纪念星

■ 美国电影协会百年百大明星 American Film Institute's 100 Years... 100 Stars
1999 获选 美国电影协会百年最伟大女明星第16名

历史评价

乔治·丘克认为费雯·丽是一位“技艺绝顶的女演员，受到了美貌的阻碍”。
劳伦斯·奥利维尔说评论家应该“将她作为一个演员来赞美而不是永远因她的超级美貌导致歪曲他们的判断。”
加森·卡宁同意他们的观点，称费雯·丽是“非常迷人的女士，她使人倾倒的美貌经常使人忽略了她作为一个演员的惊人成就。大美人很少成为伟大的演员——只是因为他们不必要这么做。费雯不一样：有抱负、有恒心、认真，经常有灵感。”
1939年12月，《纽约时报》的文章写道，“费雯·丽小姐的斯佳丽表明荒唐的演员挑选间接导致她走红，她是艺术与自然的完美结合，其它任何女演员来饰演这个角色都是不可能的。”
电影评论家伦纳德· 马尔丁认为该片是有史以来最成功的影片之一，费雯·丽“饰演的角色光彩夺目。”
剧本作家菲利斯·哈特诺尔如此评论她在伦敦西区演出的戏剧《欲望号街车》——“作为一位演员，迄今为止她展现出来的最强的能力证明”，这个评价使她很长一段时间内被认为是英国剧院最好的女演员之一。
评论家肯尼思·泰南嘲笑费雯·丽1955年在戏剧《泰特斯·安特洛尼克斯》中的表演比奥利维尔差远了，评论她在表演“听说要被在她丈夫的尸体上强奸时的表情就好像她仅仅很遗憾下面的垫子不够舒适”。 他也是对费雯·丽1955年重新演绎麦克白夫人持反面意见的几个评论家之一，认为她的表演空洞，缺少角色需要的愤怒。然而，在费雯·丽逝世后，他改变了观点，认为自己早期的评论是他所提出的”最糟糕的错误意见之一”。他开始认为在费雯·丽的重新演绎下，麦克白夫人利用她魅力一直吸引着麦克白，刻画角色的性格“比通常的战斧更加合理……”。在费雯·丽逝世后评论家的调查中，不少人认为这是她最成功的戏剧角色之一。

1969年，科芬园的圣保罗教堂，即演员教堂为费雯·丽竖立了一块纪念牌。1985年，为了纪念“英国电影年”，发行了一套邮票，采用了费雯·丽和阿尔弗雷德·希区柯克、查理·卓别林、彼得·塞勒斯、戴维·尼文的肖像。

1967年9月8日，费雯·丽在心力交瘁中孤独地倒在卧室门口。53岁的生命到此结束了。当天晚上，伦敦的所有剧院都熄灭舞台脚灯一分钟，演员和观众一起默哀悼念这位天才的表演艺术家。费雯·丽虽然红颜薄命，但她创造的银幕形象却成为了不朽的电影经典。

D. 请问这幅油画的名字是什么多谢！

写实画家安德鲁·怀斯的作品《Christina'sWorld》

简介：

美国当代重要的新写实主义画家，以水彩画和蛋彩画为主，以贴近平民生活的主题画闻名，作品已被相当多的博物馆、艺廊重视与收藏，包括了美国国家画廊。

E. 歌颂屈原的文章

1、《汨罗殇》

作者：子钊

在中国众多的诗人中，我唯一没有去好好触碰的是屈原。

即便每年都不会落下端午节，每年都少不了去品食甜糯糯的粽子，但就是不曾细细研读过他的作品，甚至，故意有些逃避。

逃避的原因有很多，一开始因为那艰深晦涩的《离骚》，语文课上要求整篇背诵的痛苦记忆犹新，至今我都认为让学生去攻克那么远古的文字实在有些强人所难，对文意的不理解和难以产生的共鸣是现在学生学习屈原的最大障碍；

另一个原因，是我在终于似懂非懂的了解这位中国历史上的第一位诗人后，他于诗作及人生经历中永远缠绕的刻骨之愁，让我在读惯了李白的浪漫后有些无法接受。

屈原的一生都在别人的嫉恨和猜疑中度过，那个特殊的年代，似乎中国是有着许多充分的理由去忽略一个诗人。

诸侯并起，雄主争霸，杀伐暴戾才是那个年代应该有的主题。可是，在一片冷漠的剑戈交错中，就真的不允许哪怕一点点诗意的斑斓吗？

因此，让我索性放下最初的印象，来对这位伟大的诗者做一番恭敬的聆听。

《九歌》应该算是屈原的成名作了，这部根据民间祭神的乐歌改编而成的诗作，向来以华美著称于中国文学史，也让屈原的名声传到了楚怀王的耳朵里。于是屈原被封为左徒，开始了他的政治生涯，当时，屈原不过二十岁出头。

一个二十岁出头的年轻人，一个具有无限才情的年轻人，这时必然要好好的施展自己的政治才华。于是为了楚国富强，屈原开始谋求变法。

屈原变法的内容从很多方面与商鞅的变法相似，主张削弱旧贵族权利，举贤授能。这段故事即便放在今天我们也会猜到结局，屈原的这些举措势必触动了贵族的权威，于是，屈原被流言包围，被怀王疏远，从精神上被处以一次流放。

这里便包含着郭沫若笔下那个很有名的故事，张仪使楚，以重金收买郑袖等人充当内奸，陷害屈原，随后屈原便遭流放。

我对于屈原被流放的这段经历写的很简单，但屈原本身所经历的却一定不简单。我相信对于屈原来说，真正痛苦的不是被驱赶的身体，而是被放逐的忠心。

像屈原这样的诗者，我总认为还是不要参与政治的好，诗人太浪漫，政治太现实，当以浪漫的灵魂去招惹现实，灵魂必定跌的粉碎。

屈原正是重复了中国大多数文人的悲剧，他们把自己作为文学家的品格寄托于无情的政治，而政治恰恰无法给这种品格以滋长的土壤，因此最终结出苦涩悲情的果实。

文学家，尤其是诗人，他们的全部生命精力来源于那种最纯粹的浪漫。因为浪漫，他们走在文化的长途，喝酒、高歌，在醉着的梦里吟诗作词。当然，这需要生活在一个温和华贵的年代。

但很可惜的是，中国自古以来大多数文人终生都在颠沛中挣扎，他们几经彷徨，他们在精神上一次次遭受重击，在人生即将垮掉的时候，又往往用自己仅存的文化力量去做最后的反抗，只是，方式有所不同。

屈原选择的方式，我们都知道。我想那应该是一个天空也尤为阴郁的日子。涛涛汨罗江水，也应该翻滚的更加壮阔，为了一具即将覆灭的高贵的文化躯体。

事实上，屈原投江是在楚国国都被破的第二年。那么，我们很容易猜测到这一年来屈原可能经历的精神折磨，对家国复兴的无望，对政治生涯的心灰意冷，对人生意义的疑惑，这是最后禁锢了屈原希望的三道枷锁。

作为中国历史上的第一位爱国诗人，屈原的文化造诣及家国气节都足以令人仰望。

尽管从现在的角度讲，屈原负累一生的国在今天的意义上根本不算一个独立的国，但对于后世的百姓来说，什么家国情仇，什么杀戮征伐，在这样一个伟大的灵魂面前都已不那么重要，我们怀念并一直守护的，是文化的丰碑！

是的，文化的力量就是这么奇怪，文化的缔造者也因此显得奇怪，奇怪到那么不为世人所理解。

读过屈原的作品，很多人会从字里行间感觉到一份贵族的气息，一份属于文人的自负。这种自负在那样的楚国必定得不到理解，这也导致了屈原和中国其他文人同样的悲剧境地：

一个理想化的文学家，他的志向和人生选择总是超前的，这种超前以文化为底蕴，以蓬勃的创作精力和政治抱负作为手段，在历史的潮流中与命运抗争。

而当抗争失败，或是在抗争的过程中得不到应有的支持，那么文人那颗柔弱的心无论如何也支撑不了理想幻灭的痛楚，走向毁灭便成了一种必然。

这种悲剧很遗憾的在屈原身上率先上演，但屈原仅仅是作为起点，而后的几千年，千千万万的中国文人几乎都走向这一深渊，贬官的文化现象由汨罗江旁的纵身一跃开始，终于成为历史的一个重要部分。

这或许是时至今日我们还在纪念屈原的原因，他的忧国忧民，他的上下求索，更因他身上那些文人共有的气质、遭遇。在官本位盛行的古代中国，文化的存在既辉煌又可悲，而缔造文化的那些远去的背影，他们的气节永远值得我们铭记！

屈原的气节也正是众多文人所具备的气节，中国文人最可敬的地方，是把自身的文学修养上升为一种文化人格，构成这种文化人格的一个基本要素便是宽阔的胸怀和艰辛的生命长度。

他们所附着的年代给予了他们特殊的生命长度去体验生命情绪，体验生命的薄厚，最后转换成文字，继续活在后人的口耳相传中。

我们尊敬这样可歌可泣的文化人格。在最早学习《离骚》时，我一度将屈原最后的命运粗浅的定义为愚忠，现在想来才知道自己的可笑。

如屈原一般的文化人格，在政治与文学的矛盾无法统一时，离去，可能才给了世人一个真正的答案——文化气节，永远不能让位于政治；文化人格，永远要以不朽的状态完成屹立。

公元前278年，汨罗江岸，殇歌一阕。六十二岁的老人毅然决然，或许，稍稍停留，看一眼自己创造的文化，那样高贵，不屈不饶。末了，再无遗憾，从此退出了政治的舞台，攀上了文化的巅峰……

2、“情以物迁，辞以情发”

作者：白云书屋

屈原的伟大，不仅在于他的思想上，还在于他的诗歌创作上。我在端午节的这一天想的最多的是屈原的《橘颂》。

那是我还没走进大学门的时候，我看到了一本河南大学（当时的开封师院）自己油印的《屈原作品选注》，那是手刻写的，字体非常工整，里面有《离骚》、《九章》、《天问》、《九歌》、《卜居》、《渔夫》几个部分。

我当时看了里面所有的内容，《橘颂》更是成了我刻骨铭心记忆之一的作品。

《橘颂》是屈原的早期作品（其它作品大都是后期的），不论从情调还是内容来看，都独具一格，全诗通篇洋溢着乐观开朗的气息和蔑视一切的气概。

更为重要的是，屈原以借物寓志的手法，通过对橘树热情洋溢的赞美，来寄托自己的政治理想。在中国文学史上，《橘颂》堪称为千古咏物之始祖。

在描绘橘树的形象时，说它“绿叶素荣，纷其可喜兮”、“青黄杂糅，文章烂兮”、“精色内白，类任道兮”，这不仅描绘出橘树的生机勃勃的外在形象美，从中也反映出他举贤授能的思想。

在刻画橘树的性格时，说它“苏世独立，横而不流”，这一句是赞橘的内在品质和崇高的精神，这是橘树长成后的气节，也印证了屈原的一生。

“独立不迁”是屈原最可贵、最难得的志向，这与他以后的作品思想形成了一体。诗的最后表达了以橘为友为师的愿望：“愿岁并谢，与长友兮”、“年岁虽少，可师长兮”。这，更是作者在赞美自己正直无私、横而不流的精神。

全首诗来看，屈原对橘树进行了拟人化的赞美，是咏物言志的典范。它结构分明，由“物”的外形美写到它的内在美；由物及人，整个诗的思想达到了一个空前的高度，真正体现了“情以物迁，辞以情发”的诗歌创作原则。

对屈原的赞美无需多说，我只是想在此借屈原的诗作来反省一下我们的诗作。

我在“好心情”上经常看诗，有一些诗作我实在不敢苟同。

明明很清楚的东西，却被作者写得糊里糊涂，几句能表白的东西，却被拉成“长篇大论”，完全失去了诗语言的凝练与含蓄美，失去了诗明朗的意境，更是失去了作品的思想性。

端午节，我们怀念屈原，不能只记得他跳汨罗江，只记得他的“路漫漫其修远兮，吾将上下而求索”的后期思想，对一些文学爱好者还要多记一记他的《橘颂》，多了解一些咏物诗的写法，多了解一些写诗做人的要领，多写出一些语言美和思想美结合的好作品。

3、吊屈原文

作者：（两汉）贾谊

谊为长沙王太傅，既以谪去，意不自得；及度湘水，为赋以吊屈原。屈原，楚贤臣也。被谗放逐，作《离骚》赋，其终篇曰：“已矣哉！国无人兮，莫我知也。”遂自投汨罗而死。谊追伤之，因自喻，其辞曰：

恭承嘉惠兮，俟罪长沙；侧闻屈原兮，自沉汨罗。造托湘流兮，敬吊先生；遭世罔极兮，乃殒厥身。呜唿哀哉！逢时不祥。鸾凤伏窜兮，鸱枭翱翔。阘茸尊显兮，谗谀得志；贤圣逆曳兮，方正倒植。

世谓随、夷为溷兮，谓跖、蹻为廉；莫邪为钝兮，铅刀为铦。吁嗟默默，生之无故兮；斡弃周鼎，宝康瓠兮。腾驾罢牛，骖蹇驴兮；骥垂两耳，服盐车兮。章甫荐履，渐不可久兮；嗟苦先生，独离此咎兮。

讯曰：已矣！国其莫我知兮，独壹郁其谁语？凤漂漂其高逝兮，固自引而远去。袭九渊之神龙兮，沕深潜以自珍；偭蟂獭以隐处兮，夫岂从虾与蛭蟥？所贵圣人之神德兮，远浊世而自藏；使骐骥可得系而羁兮，岂云异夫犬羊？

般纷纷其离此尤兮，亦夫子之故也。历九州而其君兮，何必怀此都也？凤凰翔于千仞兮，览德辉而下之；见细德之险徵兮，遥曾击而去之。彼寻常之污渎兮，岂能容夫吞舟之巨鱼？横江湖之鳣鲸兮，固将制于蝼蚁。

译：

贾谊做了长沙王的太傅，已经由于被贬谪离开京城，自己感到很不得意；等到坐船渡过湘水的时候，就写了一篇赋来凭吊屈原。屈原是楚国的贤能之臣。

遭受谗言的诬陷而被放逐，作了离《离骚》这篇文章，文章的结尾说：“算了罢，国家没有一个正直贤能的人，没有一个人了解我啊”于是就跳到汨罗江自杀了。贾谊我追念感伤这件事情，借此来比喻自己，那文章的词句说：

恭敬地承受这美好的恩惠啊，到长沙去做官。途中听说屈原啊，自己沉到汨罗江自杀了。到了这湘江后写一篇文章投到江水中啊，（我）恭敬的凭吊屈原先生，（你）遭受了世间无尽的谗言啊，乃至毁灭了自己的生命。

唉！唉！遭逢的时代不好啊。鸾鸟凤凰躲避流窜啊，猫头鹰却在高空翱翔。宦官内臣尊贵显耀啊，用谗言奉承阿谀的人能得志；贤才能臣无法立足啊，端方正派的人却郁郁不得志。

世人都认为卞随、伯夷恶浊啊，认为盗跖、庄蹻廉洁，（认为）宝剑莫邪粗钝啊，铅质的刀锋利。

慨叹抱负无法施展，屈原你无故遇祸啊！这就好比是抛弃了周鼎，而把瓦盆当成了宝物啊；乘坐、驾驶疲牛，使跛驴作骖啊，反让骏马吃力的去拖盐车啊；帽冠低居在下，鞋履反高高再上；这种倒行逆施的行为是不会长久的。

慨叹先生你真不幸啊，竟遭遇到这样的祸难！

总之：算了吧！整个国家没有一个人了解我啊，一个人独自忧愁抑郁能够和谁说呢？凤凰飘飘然向高处飞去啊，自己本来就打算远走高飞。

效法深渊中的神龙啊，深深地潜藏在渊底来保护自己；弃离了蟂獭去隐居啊，怎么能够跟从蛤蟆与水蛭、蚯蚓？

我所认为珍贵的东西是圣人的神明德行啊，要远离污浊的世界而自己隐居起来；假使骐骥也能够被束缚而受羁绊啊，怎么能够说与狗和羊有分别呢？

盘桓在这样混乱的世上遭受祸难啊，也是您的原因。无论到哪里都能辅佐君主啊，又何必留恋国都呢？

凤凰在千仞的高空翱翔啊，看到人君道德闪耀出的光辉才降落下来；看到德行卑鄙的人显出的危险征兆啊，就远远的高飞而去。那窄窄的小水沟啊，怎么能够容下吞舟的巨鱼？横行江湖的鳣鱼、鲸鱼，（出水后）也将受制于蝼蚁。

4、吊屈原文

作者：（唐）柳宗元

后先生盖千祀兮，余再逐而浮湘。求先生之汨罗兮，揽蘅若以荐芳。愿荒忽之顾怀兮，冀陈辞而有光。

先生之不从世兮，惟道是就。支离抢攘兮，遭世孔疚。华虫荐壤兮，进御羔袖。牝鸡咿嚘兮，孤雄束咮。哇咬环观兮，蒙耳大吕。堇喙以为羞兮，焚弃稷黍。岸狱之不知避兮，宫庭之不处。陷涂藉秽兮，荣若绣黼。榱折火烈兮，娱娱笑舞。谗巧之哓哓兮，惑以为咸池。

便媚鞠恧兮，美逾西施。谓谟言之怪诞兮，反寘瑱而远违。匿重痼以讳避兮，进俞缓之不可为。

何先生之凛凛兮，厉针石而从之。但仲尼之去鲁兮，曰吾行之迟迟。柳下惠之直道兮，又焉往而可施。今夫世之议夫子兮，曰胡隐忍而怀斯。惟达人之卓轨兮，固僻陋之所疑。委故都以从利兮，吾知先生之不忍。

立而视其覆坠兮，又非先生之所志。穷与达固不渝兮，夫惟服道以守义。矧先生之悃愊兮，蹈大故而不贰。沈璜瘗佩兮，孰幽而不光。荃蕙蔽匿兮，胡久而不芳。

先生之貌不可得兮，犹仿佛其文章。托遗编而叹喟兮，涣余涕之盈眶。呵星辰而驱诡怪兮，夫孰救于崩亡。何挥霍夫雷电兮，苟为是之荒茫。耀夸辞之党朗兮，世果以是之为狂。

哀余衷之坎坎兮，独蕴愤而增伤。谅先生之不言兮，后之人又何望。忠诚之既内激兮，抑衔忍而不长。芊为屈之几何兮，胡独焚其中肠。

吾哀今之为仕兮，庸有虑时之否臧。食君之禄畏不厚兮，悼尔位之不昌。退自服以默默兮，曰吾言之不行。既俞风之不可去兮，怀先生之可忘。

译：

在先生死去一千多年后的今天啊，我再次被贬逐乘船来到湘江。在汨罗江畔寻找先生的遗迹啊，采摘了杜蘅杜若向你祭献芳香。愿你在冥冥之中能体会我怀念你的心情啊，让我荣幸地向你倾诉衷肠。

先生不肯屈从世俗啊，只遵循自己的政治主张。国家残破动乱啊，你遇上的世道就像长期生了重病一样。华贵的礼服被丢弃在地上啊，却喜欢穿那羊羔皮做袖口的 粗劣衣裳。母鸡咯咯乱叫啊，孤单的公鸡嘴巴却被捆绑。

粗俗的民间歌曲围着欣赏啊，却捂着耳朵不愿听那高雅的庙堂乐章。把有毒的鸟头鸟喙当作美好的食物啊， 却焚烧抛弃真正的食粮。明明是牢狱却不知躲避啊，却放着宫殿不去住。

隐在污泥里坐卧在肮脏的地方啊，却荣耀得像穿上绣着花纹的礼服一样。房屋的椽子烧断 了，烈火熊熊燃烧啊，却手舞足蹈欣喜若狂。谗言巧语喧嚣刺耳啊，却把它当作上古名乐来欣赏。

把谄媚讨好点头哈腰的小人啊，看成比西施还漂亮。把治国良言当 作奇谈怪论啊，反而避开用美玉把耳朵堵上。得了重病还瞒着不承认啊，就是请来名医俞跗、秦缓也没法想。

为什么像先生这样令人钦敬的人 啊，还偏要磨砺针石去医治那不可救药的创伤？

正像仲尼被迫离开鲁国啊，还依依不舍说“让我慢慢离开这个地方”。柳下惠奉行“直道”啊，又到哪里去才能实现 他的主张？

现在世上的人议论先生啊，都说为什么遭受这样的痛苦还关怀楚国的兴亡。

通达事理的人高明特异啊，本来就为知识浅薄的人不敢想像。抛弃祖国追求个 人的私利啊，

我知道先生决不会这样。站在一旁看着自己的国家灭亡啊，这更不是先生的志向。无论是得志或失意志向都不变啊，始终信守大义坚持自己的理想。

何况先生是那样忠心耿耿啊，宁愿赴死心也不会两样。沉入水中埋在土里的美玉啊，谁能说就暗淡无光？香草虽然被贮藏起来了啊，怎会因时间久而失去芳香？

先生的容貌虽然不能看见啊，但是读你的文章仍像见到你一样。捧着你的遗作感慨叹息啊，我止不住眼中的热泪直淌。

你指斥星辰追问怪异啊，又哪能挽救国家的 崩溃灭亡？你为什么要驱动雷霆啊，只因为希望在那茫茫宇宙中能找到你的理想。你的文章词藻华丽充满着幻想啊，世上的一般人果真以为你在发狂。

感叹我内心的 不平啊，暗自满怀愤怒而更加悲伤。想当初先生如不写下这些文章啊，后世的人又怎么把你敬仰？

既然爱国的热情在你的内心激荡啊，要强压它也不能久长。从芈姓 到屈姓楚国的同宗贵族有多少啊，为什么独有你为国担忧内心像在燃烧一样。

我感叹现在做官的人啊，有谁把时政的好坏放在心上。享受国君的俸禄惟恐不优厚啊，只是担心自己在官场中不能青云直上。

离开京城我心情郁结默默无言啊，因为已实现不了我的主张。既然这种苟且偷安的风气无法除去啊，想起先生的遭遇我的郁结心情可以暂时丢一旁。

5、屈原——面向风雨的歌者

作者：鲍鹏山

屈原，是一本大书，可以让我们代代翻阅而不能尽其义。物质存在的屈原在公元前278年即已死去，但精神的屈原却永在生长，且日益枝繁叶茂，硕果累累，荫庇滋养着吾国吾民的精神家园。

屈原的代表作《离骚》，简单地说，既是对士之朝秦暮楚式自由的否定，也是对士之“弃天下如弃敝屣”的自由的否定，同时也标志着另一种观念的建立：“忠”。

令人稍感吃惊的是，正是这样一位向君权表忠的人，一种桀骜不驯的个性精神却表现得尤其强烈而突出。正是这种矛盾现象，使得屈原几乎在所有时代都会得到一部分人的肯定，又得到另一部分人的否定。

《离骚》中的句子，充斥着“恐”“太息”“哀”“怨”……骚者，哭也！为时光哭，为生命短暂哭，为短暂的生命里不尽的痛苦、失意哭。

注意，他诗中的“民”，也就是“人”，“民生”即“人生”，“民心”即“人心．”。他开始从“人”的角度、“人”的立场来表达愤怒，提出诉求。

我们知道，《诗经》中的愤怒，往往是道德愤怒，是集体的愤怒；而屈原的愤怒，虽然也有道德的支撑，但却是个人的愤怒。

屈原很执着地向我们诉说着他受到的具体委屈：他政治理想的破灭，楚怀王如何背叛了他，顷襄王如何侮辱他，令尹子兰与靳尚如何谗毁他……

从他的诗中，我们读出了人生的感慨，读出了人的命运，读出了一个不愿屈服的个人所感受到的人生困窘，一个保持个性独立意识的人所受到的压迫，甚至迫害。

如果说，讲究“乐而不淫，哀而不伤，怨而不怒”的《诗经），其人生感受的尖锐性大有折挫而略显迟钝的话。

那么，怒形于色，被班固批评为“露才扬己”的屈原，则以其“发愤以抒情”（《惜诵》），“自怨生”（司马迁）的诗歌，向我们展示了当个性在面对不公平与伤害时，是何等的锋利而深入。

这种锋利，当然是对社会的切割；而更重要的，是对自己内心的血淋淋的开剥。伟大的个性，便从这血泊中挺身而起。

“曾歔欷余郁邑兮，哀朕时之不当”“叩揽茹蕙以掩涕兮，沾余襟之浪浪”。

在《离骚》《九章》等作品中，我们看到了一个泪流满面的诗人；一个时时在掩面痛哭的诗人；一个面向风雨“发愤以抒情”，对人间的邪恶不停诅咒的诗人；一个颜色憔悴，形容枯藁，行吟泽畔，长歌当哭，以泪作诗的诗人！

《诗经》的俗世精神很了不起，但从另一方面看这种俗世精神恰恰消解了个人的意义，阻碍了个性的张扬。它入世的深度恰恰减少了个性的深度。

而屈原，在以不堪一击的个体面对命运时，他的个性在绝望中显示的高度、深度与完美却是前所未有的。

在中国古代，像《离骚》这样华丽的交响乐实在太少。单从篇幅上讲，它是中国古代诗歌史上最长的一篇。作为抒情诗，能展开如此宏大的篇章，不能不令人叹服屈原本人思想和个性精神的深度和广度。

同时，我们也必须注意到它形式上的特点。正是由于他自设情节，使得一首抒情诗才能像叙事诗那样逐层打开。抒情诗有了“情节”，也就必然是象征的、隐喻的。

所以，象征和隐喻也是《离骚》的主要艺术手法，比起《诗经》的比兴，屈原“香草美人”的系统性设喻，与上天入地、求女占卜等自设情节的使用，是一次巨大的飞跃。

不管怎么说，屈原是中国历史上第一位伟大的诗人。《诗经》中可考的作者也有多位，但我觉得，《诗经》之伟大，乃是整体之伟大，如果拆散开来，就每一首诗而言，可以说精致、艺术、有个性，但绝说不上“伟大”。

“伟大的诗人”须有伟大的人格精神，可以滋溉后人；须有绝大的艺术创造，可以标新立异，自成格式，既垂范后人，又难以为继。应该说，在这两点上，屈原都当之无愧。

F. 散文（播音主持自备文学稿件）

如何选取自备稿件？选择的作品必须是艺术性较强，立意清楚的优秀的文学作品。作品是朗诵者的载体。因此，要下大功夫尽量选择好朗诵的稿件。不论是散文、诗歌、台词任何一种体裁，都必须是优秀的，具有文学性的。
不要选择读起来空洞、概念、晦涩、平淡、难懂的，因为稿件本身的艺术性不高，就难感染朗读者，更难让听众有共鸣。艺术性较强的稿件，大都脉络情绪、结构严谨、情感饱满、人物鲜明、语言生动，具有较强的吸引力和感染力。
稿件必须符合和适合朗读者，并能体现、展示朗读者的个性、魅力等。从自己实际出发，选择自己能理解，能把握的。但是不建议选择太虚的诗歌，因为难以测试出自身的素质，特别是不要背诵唐诗和毛主席诗词。不是因为唐诗和毛主席诗词不好，正是因为太好了，难懂。朗读起来是有一定难度的。
性格内向的人安静，离群，内省，准确的说，他们更偏爱独处。所以我推荐适合你声音条件和水平的诗歌。每个人的声音都是有特色的，有它的长处和不足，我们要做的是扬长避短，尽量展现最好的状态。例如，你是性格内向的女生，那就不要选择那些节奏偏快的诗歌，那样会让你的缺点暴露无遗。应该选择一些舒缓的，温柔的诗歌，这样才可以把你的缺点不着痕迹地掩盖过去。
有的文章很好，故事性很强，情节跌宕起伏，既有细节描写又有精辟的议论，可以很好的表现声音的魅力，如果读好了，听众会非常的舒服，可是你刚学普通话时间不长，基本功不扎实，尤其到了高潮部分气息情感都缺乏控制，那就不要选择这样的稿件了，可以选择适合你水平的文章，你能驾驭的，读起来得心应手的，反而更加的出彩。
我推荐一首美国诗人安德鲁·怀斯的《远方》，喜欢的朗读者们可以试试。
那天如此辽远
辽远地展着翅膀
即使爱是静止的
静止着让记忆流淌
你背起自己小小的行囊
你走进别人无法企及的远方
你在风口遥望彼岸的紫丁香
你在田野捡拾古老的忧伤
我知道那是你心的方向
拥有这份怀念
这雪地上的炉火
就会有一次欢畅的流浪
于是整整一个雨季
我守着阳光
守着越冬的麦田
将那段闪亮的日子
轻轻弹唱

G. 求一篇美术作品鉴赏的作文

一幅挂在我心中的画
—《克里斯蒂娜的世界》心得

这是美国画家安德鲁•纽厄尔•怀斯的一幅作品。作品中描绘了一个身有残疾的乡村姑娘，背向观众坐在一片空旷的枯草地上。远处有一幢农舍，马车轮碾出的路痕一直通向那幢房子，那就是她的家。再远处另一幢有点像农民仓库的房子，是一个简陋的教堂。

画家以草地、农舍、教堂概括了这位不幸的身有残疾的克里斯蒂娜的物质世界和精神世界。

整个画面色彩写实，温暖、柔和的色调令人赏心悦目。细腻的笔触令人赞叹。远处狭窄的天空令人感到压抑，特别是因残病而扭曲的人物，及其所处画面失衡的位置，令人感到不安。秋季的荒凉和人物眼前呈现的遥遥长路，更增添了自然的冷漠及生命的孤寂。它最终偏离了我们的审美需要，偏离了一般艺术图片养眼悦心的“假日功能”。

人们总是愿意接受自己心灵所喜欢的东西。而人类特有的视觉强化功能，还会通过自身的经验，把画面所展现的意味夸大。所以，人们更愿意将画有水果、鱼肉的图片挂在餐厅；把美女、帅哥的靓照挂在卧室。这类艺术作品通常只能在博物馆（该画现藏于纽约现代美术博物馆）或画册上面看到。然而，它却是一幅挂在我心中的画。

从狭义上来讲，这是一幅具有励志意义的作品。当我们的视线从挣扎着的克里斯蒂娜延伸到那所小屋及教堂的时候，我们是否能够透过这阴郁、单调、透彻骨髓的苍凉，看到姑娘体内的战胜自我重返家园和乞求救赎的灵魂所发出的巨大能量？当我们的视觉镜头随着艰难爬行的克里斯蒂娜一起向前推进的时候，凄凉的路途必然会越来越短，愉悦的天空必然会越来越宽。这种愉悦是只有在抗击磨难中才能真正领悟到的愉悦，是将痛苦变为不朽的精神动力源泉的愉悦。雷雨过后的彩虹永远属于勇敢穿越风暴的人。痛苦是精神力量的秘密所在。

从广义上来讲，这是一幅具有存在意味的作品。画家似乎为我们揭示了人类心灵普遍存在的一种特殊倾向—对“家园”的向往与渴望。而孤独和痛苦并没有使人类对“家园”的渴望减少，它恰恰成为我们将这种渴望付诸行动的动力。这种情绪我们称之为“乡愁”，它也是怀斯的画中所隐含的深刻的忧思。这个“家园”就是生命的本原即世上万物共有的东西（终极基础）。怀斯的画是极端写实的，而意境是抽象的。“乡愁”就是对“家园”失落的忧伤。“家园（终极基础）”的失落，要比健康的消逝更让人感伤。健康的消逝及绝望更容易让我们生发对“家园”的渴望。这就是为什么饱受苦难的人更容易走上宗教信仰的原因。“如果我们没有经历或多或少的苦难，我们又如何知道我们的存在？除了受难而外，我们又如何能转向自己而获取到深思的意识呢？（乌纳穆诺《生命的悲剧意识》）” 我们能否用我们这充满苦痛的残缺之躯在荒凉（现代工业文明）中抵达那遥不可及的“家园”？这就是画家留给我们的永恒的思索。

痛苦是精神力量的秘密所在，而比痛苦更加强烈、更隐蔽的是失落“家园”的忧伤。忧伤才是人生悲剧意识的根源。克里斯蒂娜的世界是一个基于信念的世界，更是一个基于用肉体去感受的世界。世界最终的本性（“家园”），我们不得而知，它存在于我们的感觉之外。最真实的是克里斯蒂娜目光所指向的画中马车轮碾出的路痕，最真实的是画家尚未画出的克里斯蒂娜踽踽前行所留下的踪迹。一如我此篇文章在读者脑海里所留下的断断续续的文字。

“人生到处知何似？应似飞鸿踏雪泥。 泥上偶然留指爪，鸿飞那复计东西。”这是我国宋朝诗人苏轼在《和子由渑池怀旧》中的一段话。不同时代，不同国籍的人，对人生在世的感叹却是惊人的相似。除了“踪迹”，真正的本原（“家园”）是再也或永远无法被（重新）居有的了。这种“踪迹”最终也被非本原的本原—文字（符号）所“替补”。行动就是存在。

《克里斯蒂娜的世界》，这是一幅挂在我心中的画。它的秘密我已经告诉了你

H. 灯塔概括短文的主要内容。

主要内容：若未知的世界让人心生恐惧，我们是自我封闭，还是勇敢走出去？欧洲著名漫画诗人夏布特最敏感忧伤的“慢镜头图像小说”讲述人类心底无法承受的孤独和渴望拥有的自由： 茫茫大海上的一座灯塔里，住着一位畸形怪人。

因为相貌丑陋，他自出生起就被藏在塔中，与世隔绝地生活了五十年。父母留下的旧词典，是他认识外界的唯一窗口，在每个孤独的夜晚，点亮他想象中的世界。当他闭上眼睛、用手随意指向一个单词时，那些荒诞离奇的画面便接踵而来。直到有一天，渔船上新来了一位沉默寡言的水手，他用自己别样的方式，轻轻敲开了怪人心底紧锁的大门。

(8)怀斯论文扩展阅读：

非常古老的灯塔中，以煤油灯作光源，由灯塔负责人手动操作发条装置转动集中光线的透镜系统。透镜系统常浮在水银中防止摩擦。现代化的灯塔里是电灯和发条装置由外部供应电力，同时备有柴油驱动发电机操作，并且为灯塔负责人的生活提供电力。有些灯塔由太阳能发电供应电力。

如果要增强亮度，则需要非常大的透镜，可能连灯塔也承受不了重量。菲涅耳透镜（Fresnel lens）因而应运而生，它的设计使透镜的重量和容量大大缩小而焦距距离不变。一些灯塔，如在纽芬兰的怀斯角灯塔（Cape Race）、夏威夷的马卡佩灯塔（Makapu'u Point），使用另一种由保斯公司（Chance Brothers）特别开发的佳帕哈迪宏透镜（hyperradiant Fresnel lens）。

现代自动化的灯塔里，转动的透镜由全方向的系统散发非常明亮的光线（不再是空间大才能收集更多光线）。

I. 艺术类的论文

印象派又称为“外光派”，产生于19世纪60年代的法国。1874年莫奈创作的题为《印象•日出》的油画，遭到学院派的攻击，评论家们戏称这些画家们是“印象派”，印象派由此而得名。

一 色彩的影响
十九世纪的法国作为世界艺术中心，艺术流派百家争鸣，百花齐放，流派与流派之间的艺术论战也是异常激烈，这些艺术争论为当时法国的艺术发展起到了巨大的推动作用。以新古典主义为首的学院派和浪漫主义艺术家的争论把艺术家的创作意识从古典的冷冰冰拉回到了个人感性认识主导画面的创作方式；19世纪30年代，现实主义与非现实主义（古典主义，浪漫主义）的争论让艺术家放弃对虚幻缥缈的理想世界的憧憬，回到现实生活当中，在艺术创作上要反映出时代特色。这些艺术流派之间的碰撞造就出了一批年轻的艺术叛逆者，他们不再把学院派把守的沙龙展作为自己艺术创作的唯一目的，他们开始重新审视艺术，在前辈的精神鼓励下，他们走出画室放眼自然，放弃落后的创作方式，利用工业革命带来的新的科学技术成果，揭开了一场影响巨大的艺术革命，印象派就是这场革命的成果。任何一个画派都没有印象派这么多元，前印象派，新印象派，后印象派，它带给现代艺术的是一次前所未有的革新。十九世纪开始，美国经济迅速起飞，国土从大西洋到太平洋的扩张，广袤洪荒的自然激发了美国人强烈的民族自豪感，也催生了描绘美国本土风景画的发展。更多的美国艺术家走出国门，融入了全球化的进程，印象主义在美国的流行毫不亚于当时的世界艺术之都巴黎。技术性影响主要主要体现在色彩作为艺术创作的主要表现语言
色彩做现代艺术中最常用的艺术表现语言，色彩的独立对于古典绘画体系是一种革命性的创新。从法国史前岩洞壁画到凡艾克时代，以至油画因材料的改进而诞生之后的几百年间，色彩的作用就是辅助素描更加真实的呈现物体本来的面貌，我们切把这段时期称作固有色时期，固有色顾名思义就是物体本身的颜色，这一时期的画家是不会考虑光线对物体色彩的影响，原因有这样几点，首先古典主义画家的工作地点通常处于室内一般情况下光线十分稳定，即使在一些阴雨天气，画家也能够根据自己在日常创作中所掌握的规律来完成所描绘物体的色彩。其次一幅完整的古典主义作品的制作消耗的时间是很长的，制作过程也十分复杂，从素描稿拓到画布或着画板上，再一层一层的罩染（类似于中国工笔画），一直到完成最少也要半年甚至更长时间，所以艺术家在描绘物体的色彩时，基本上把物体在稳定光源下的色彩作为物体的固有色，这种观察方式与绘画方式十分类似于中国谢赫提出的六法之一的“随类赋彩”比如画一块红色的衣服，通过在红色颜料当中调和白色与黑色，来区分其明暗变化，分别涂到衣服的亮部和暗部，色彩并没有自己独立的一套系统而是依附于素描关系。当然在这一时期并不是没有艺术家关注色彩，还是有很多天才级艺术家在长期的艺术实践过程中，逐渐地发现色彩是有冷暖关系和补色关系的存在的，比如我在一本印刷质量非常精致的外文画册中就看到米开朗基罗天顶壁画中的《先知》，他穿的黄色袍子的暗部明显存在大量的紫色成分，但当时这些艺术家并没有过多地去研究出现这种现象的原因，只是在大量创作的过程中的经验，认为只要加上些补色画面就会鲜亮些，仅仅是为了看起来舒服些。固有色系统的创作方式一直持续到印象派之前。美国建国之初，美国的艺术基本上是沿续着欧洲古典的绘画的模式。大量的欧洲移民所带来的只是些以实用功能（装饰房屋，纪念先祖）为主的绘画形式，是欧洲学院派的风格与美国本土风俗画的结合产物，所以这时期的美国绘画也是属于古典色彩系统。
法国浪漫主义特别是热里柯和德拉克罗瓦十分重视色彩的表现，他们“强调浪漫主义艺术家强调感情和幻想，不重视理性，个性重于共性，色彩重于素描，要推翻所有古典形势与法则。”[[1] 引自《西方美术史教程》李春著第258页 第7行 陕西人民美术出版社][1]他们重视光在画面中的运用，但是他们并没有把光与色彩联系起来，并没有考虑到光对色彩所产生的影响。只是在相比以往的古典绘画他们对色彩开始更加重视。古典色彩系统，不是不重视光线，只是他们是通过素描的明暗关系来表现光线，并没有通过色彩来表现光线。印象派认为物体的固有色是理想化的，因为物体是随着光变化的，而光是在无时无刻的变化当中的，完全打破了古典主义所描绘得再理想状态下的固定光源下的物体色彩，。色彩的运用第一次被提到前所未有的高度，色彩成为艺术家主要表现光线的手段。成为独立于素描体系之外的艺术语言。
在绘画的诸多因素中（构成因素，素描因素，色彩因素），色彩本身是最具抽象性的，康定斯基说：“颜色是直接对心灵产生影响的一种方式，色彩是琴键，眼睛是音槌，心灵是绷满弦的琴。颜色经由视觉通道拨动心灵的琴弦。那么色彩的和谐只能以有目的地激荡人类灵魂这一原则为基础。”[[2] 引自 《康定斯基论点线面》康定斯基著 罗世平 魏大海 辛丽 译 中国人民大学出版社][2]他在谈到“形与色的关系”时说：“二者的基本关系是颜色受形的规范，同时强化形的视觉效果。”例如在古典写实绘画当中，画一个苹果，通过明暗的对比度强调苹果的空间站位，边缘线的虚实强化了苹果的前后关系，也就是说素描因素已经可以表现出苹果的特征，那么填上颜色后更加强化了“苹果”的视觉效果，就好比“苹果”的黑白照片与彩色照片，哪个更能影响我们的视觉需求呢？肯定是彩色照片，一个红润的苹果是可以引起我们的食欲的，食欲通过视觉观感引起我们的精神需求，我们宁愿吃形状难看的“苹果”也绝对吃不下颜色乌黑的“苹果”，因此色彩关乎人类的精神世界，比形更具备抽象性。在打个比方来说一块“红色”色块我们很难说它具体是什么东西，但它可以带给人以“血腥的感觉”，如果要单纯的用“形”该如何表现“血腥感”呢？康定斯基把绘画分为两种“一种是为物质的，一种是为精神的。物质绘画是通过视觉的神经刺激来感动观者，这是外在的；精神的绘画是通过心灵的激荡所产生的内心共鸣，他把前者归于写实艺术的特点，把后者看作抽象艺术的核心”。在我们看到印象派的作品时首先应该是被他们所画出的颜色所感动，物体的具体形象已经被色彩所包含。他们通过改变物体色彩的明度与纯度来表现素描关系，通过冷暖来表现物体的空间，补色关系被用来表现虚实。莫奈在形容自己作画状态时说：“我看到的景物，不再是房子、树木、山丘，而是由不同颜色不同形状的色块所组成的画面”。[3]
色彩的独立并不完全归功于印象派艺术家，而是这些艺术家利用当时新的科学研究成果，把这些光学理论运用到自己的艺术创造中去，可以说是科学与艺术的完美结合。他们验证了“光”是物体被人眼所感知的真正原因。十八世纪末牛顿通过三棱镜把白色光分出7色，并认为颜色是有不同波长的光引起的。著名的文学家歌德在一次偶然的机会下发现了补色的存在，他在《颜色论》中不完全同意牛顿的理论，他认为颜色只与明暗有关，牛顿的观点是孤立的来看待色彩，排除了观察主体的作用，而歌德却看到了另一种关系。歌德说：“在我所有计划当中，最使我感兴趣的就是一种新的关于光、阴影、颜色的理论，如果我没有弄错的话有时甚至自然和艺术研究中也必须出现革命。”歌德的色彩理论一直没有受到人们的主意，直到爱因斯坦的相对论，特别是后来的普朗克的量子理论与海森堡的测不准原理的出现使得光学研究成为一门独立的学科。
印象派艺术家在进行创作的过程中，采用纯度和色彩倾向十分明显的颜色，尽量的使色彩的饱和度达到最高，但也并不是完全采用直接从颜料管中挤出的纯色，而是适当的进行调和，冷色与暖色的对比成为它主要表现物体体积与空间的主要表现手段，形成了一个基本的绘画规律：冷光下的物体暗部呈现暖色。暖光下的物体呈现冷色，靠前的物体要比靠后的物体要暖。古典画家与印象派在创造自己的画面时所依靠的画面因素是不一样的，古典画家依靠黑白调子，解剖，透视关系在二维的平面中创造出三维的错觉，印象派画家似乎抛弃了古典画家这一套被传承了几百年的模式，而是从新采用光学理论，把色彩冷暖与颜色的互补关系创造出了新的绘画语言。除了光学研究，工业颜料的生产使得画家可以很方便的直接采用颜料管装的工业颜料进行绘画创作，锡管装的颜料方便了画家的携带，使得他们可以更好的进行户外写生。而且工业生产的颜料品种也十分丰富，多达上百种，这在古典时期几乎是不可想象的，由于古典时期颜料生产技术的限制，并没有专门生产颜料的作坊和工厂。颜料的制作与调和都是艺术家做学徒期间在作坊式的艺术工作场所从老师那里学来的，可以说是学习绘画前的必修课。而制作颜料的材料大部分以非常稀少的矿物质颜料为主，所以艺术家在制作颜料时只能根据自己的创作内容和喜好来调制品种有限的几种颜色。这在一定程度上也限制了当时画家对于色彩的关注。在整个西方艺术史中，科学始终影响着艺术。解剖，透视等要素构成了古典写实绘画的根基，但这些科学要素并没有形成独立的学科，画家对于这些要素的认识主要来自在老师的经验传授以及自己创作过程中积累下来的经验。解剖、透视不是画家的表现对象，而是为了使所画的物体更加真实的工具。与其说印象派画家描绘的是景物，不如说他们在描绘光线，科学理论与成果成为他们的表现对象。
二、工业革命成果的支持
光学理论的建立、化学颜料的工业化生产革新了艺术家看待世界，表现世界的方式。照相机作为19世纪科学技术另一重大成果，也深刻的影响当时的艺术家。
照相机的发明使得当时画家产生了巨大的恐慌，这种恐慌应该更多的存在于当时学院派画家中。照相机所创造的画面，从写实性超越了手工绘画的艺术家，而且完全可以取代古典绘画的功能性。但印象派画家更多的是把照相机当作自己创作中的工具，“印象派画家把曾经被认为是粗俗不堪的生活情景快速的捕捉下来，因为他们发现了平凡事物之美，到户外对景物直接写生。他们对题材选择一般都很随意，画面的内容并不刻意要传达什么思想，他们明显受到摄影中‘街头抓拍’的影响，构图也不像传统绘画那样去严谨的经营。”[[4] 引自《中国油画》2002年第6期 《西方绘画与摄影的互动关系》何润联著 第47页 天津人民美术出版社][4]对于照相机的运用最明显的就是德加，他所画的大量的歌舞少女的形象大部分都是先用照相机抓拍下来然后画速写创作稿或者直接用于创作中。可以从他所拍摄的照片中可以找出他画的一系列色粉画中的人物动作原型。照相机特殊构图形式也对德加产生了很大的影响，如他的《舞蹈教室》和《浴女》系列都可以看到这种影响，画面就像照片，“摄影者”与“被摄影者”被放置到同一个空间当中，看到他的画面就像从相机的观景器看到的画面一样，带有“现场感”。作为直接受德加指导的美国印象派女画家卡萨特，题材和德加一样关注现实社会中的人物形象，她所创作的《母与子》系列作品就受益于德加的粉笔画表现技法，并且采用了与德加一样的摄影式的构图，看起来就像是日常的生活照片。除了德加，高更也十分喜爱用照相机为自己收集创作题材。在他创作的一系列关于土著人的油画中，有些就是直接用他拍摄的照片作为原型的。
印象派艺术家是第一批运用照相机的艺术家，他们使工业革命的成果与艺术产生了又一次碰撞。在20世纪60、70年代，美国流行的照相写实，风格高度的写实冷静、客观。艺术家的创作直接采用照片作为描绘对象的工具，“在没有人为摆设、敢于的情况下捕捉现实”。[[5] 引自《中国油画》2002年第6期 《西方绘画与摄影的互动关系》何润联著 第49页 第1行 天津人民美术出版社][5]最著名的美国照相写实画家安德鲁怀斯，以其精湛的绘画技术描绘了美国本土的风情面貌，形成了美国乡土主义。还有美国照相写实艺术家克洛斯常喜欢借助照相机的短景和焦点以外朦胧的摄影效果，描绘肉眼无法看清楚的细节，呈现出摄影才能不找到的机械真实。
莫奈于1877画了一系列冒着浓浓蒸气烟雾进站的火车，画中高耸坚硬的玻璃钢铁车站建筑显示出进入现代的欧洲城市的生活面貌，艺术家所喻示的不仅是工业革命中的巴黎 “机械美学”已形成，同时也揭示了一种新的绘画方法，而这个画法的观念自始一直就紧跟着机械文明。20世纪美国抽象主义画家波洛克是深受莫奈影响的艺术家，从他的《薰衣草之雾》就可以看出与莫奈《睡莲》的相似性，这种相似性并不单指朦胧的跳动的画面效果。更多的是“绘画”作为一种行为得到波洛克的发扬，前面我们已经提到莫奈在画《大教堂》系列时的创作状态，在运动中不停的调换着画布，放到今天莫奈当时是在表演行为艺术。波克洛在绘画时更加夸张身体跳动，油漆桶的泼洒都是一种激情下的艺术行为。这样的画风所创作出的作品使观看者很自然的在联想他们在创作作品时的心理状态。
光的动感在印象派作品中也是一个重大的贡献，在他们眼中物体色彩是处于运动状态下的，他们所描绘的是一个动态光下物体的色彩。印象派这些年轻的艺术家在摆脱固步自封的学院派沙龙展时，受到巴比松画派影响，风景画成为他们艺术追求上的突破口。他们和巴比松画家之间带着一种师徒般的传承。柯罗是年轻的印象派画家的朋友和导师，他们一起在枫丹白露森林中一起作画，在生活上一直支持和他们，比如西斯莱莫奈和柯罗就是忘年交，在他的绘画风格上更是受到柯罗的影响，银色的色调经常出现在他的画面上。但是不同的是印象派的风景与传统风景画的界限划分得更加明显，这一点不像柯罗依然延续着古典风景画的特点，描绘长时间稳定光线下，静止的景物，唯一不同的是色彩更加绚丽丰富，游离在学院与前卫之间。莫奈他们更加关注的是短时间内光线对于景物的影响，着力表现景物在不同时间环境下的色彩变化，因此印象派的风景画都是带有动感的，即使是梵高他笔下的星空也是像河流的一样的笔触在闪烁流动。他们对恒定不动的光线不感兴趣，莫奈在画卢昂大教堂时通常都是10几幅画同时开始，不同的时间不同的天气状况在不同的画布上描绘，他也因此被称为“光的奴隶”。莫奈的画不像是在描绘他所看到的物体，而是通过描绘物体的色彩变化来描绘光线，莫奈是彻底的印象派，也是最执著的印象派画家，最能代表其艺术追求的表现光的流动感的作品无疑是他晚年的巨制《睡莲》系列，通过水面的波光粼粼把早晨，傍晚的光线变化表现到了极致。古典风景画如同古典肖像画，静态与永恒成是画家主要的表现方式，光在他们画面中是稳定的永恒的，带有宗教性，象征着上帝。在印象派画家笔下光不代表上帝，他代表着真实真理，代表着科学。印象派色彩的视觉冲击力十分的爆炸，鲜艳的颜色统治着整个画面，光影的跳动感被抢调到极致，完全没有宁静之感。光的流动性所产生的现象作为工业时代的产物，被运用到了艺术创作当中。机械文明与现代艺术的关系也逐步的从艺术家作画的方式，笔触到所用的材料一点点的影响画家看世界的观点态度。他们对于科学理论及工业成果采取认同的态度并加以利用。
反叛精神的诱惑
印象派的反叛精神也极大的鼓舞了美国国内的年轻艺术家。这种反叛主要有两个方面
1、东方感性认识对西方理性认识的反叛
印象派对东方的艺术（主要指中国日本）的运用更加直接的运用到自己的画面中。莫奈创作了《穿和服的姑娘》明显的透漏出他对东方艺术的喜爱。《睡莲》是莫奈在晚年眼睛几乎失明的状态下创作的，恣意的笔触带有十分强烈的中国书法写意风格，画面色彩洋溢着东方的感性色彩。中国人之所以十分乐于接受印象派的作品，就源于印象派画家与中国书法绘画中的“写意”性十分相似。波洛克说“当我画画前，我不知道自己要画什么，只有画了以后，我才看到我画了什么。”这和中国书法绘画的创作状态基本一致。
凡高临摹了大量日本浮世绘，把这些画创作为油画。浮世绘平面化的构图形式，消解透视，我们可以从凡高的《向日葵》中看出，装向日葵的花瓶与后面的墙壁基本没有空间关系，桌面与墙壁只是协调整幅画面色调的两大块冷色的平涂。凡高非理性艺术风格一定程度上都是受到东方感性世界的影响。也影响到了二战后美国的抽象表现主义，特别是热抽象表现主义。
像卡萨特一样的大批思想先进的美国年轻艺术家在涌入到巴黎留学期间，通过印象派艺术家了解到了东方艺术品，所以当时印象派画家的东方情结一定程度上影响到了美国艺术家。深受德加影响的卡萨特，和德加一样迷恋着东方艺术，因此她的画带有极强的东方装饰感，在她的油画中，对于女性人物的衣着地描绘可以看出日本浮世绘般的平面装饰画的影响。
东方的感性艺术与西方原有的理性艺术碰撞通过法国艺术家传递给了美国。为美国艺术家后来的抽象表现主义作了启蒙式的教育。美国抽象画家克莱因和马瑟韦尔在20世纪60年代所创作的抽象艺术作品就带有很强的东方书法意味。
2、非主流艺术对主流艺术的反叛
印象派引导了近代艺术史上，第一次对传统艺术反叛的艺术革命。他们的这种叛逆精神，刺激着传统艺术现代化的进程。印象派成了19世纪末反叛的代名词，不仅他们绘画理论的产生源于对传统的反叛，即使印象派的内部反叛精神也使得印象派更加多元化。印象派在发展的过程中，逐渐被社会大众所接受，而以莫奈为首的前印象派也逐渐发展成为印象派中的“学院派”，塞尚成为第一个退出印象派的艺术家，他认为莫奈过分的关注“光”对画面的影响，完全看不到画家个人与所被描绘的景物之间的关系，忽视了个人感受，他在给伯尔纳的信中说“光线对于绘画来说本质上是不存在的。”随之而来印象派分裂为新印象派和后印象派两大流派，这两大各流派是对前印象派的两种极端发展方式。
新印象派把艺术家科学的理性态度运用到自己的创作中去，数学的计算方式影响到了他们的创作方式。例如新印象派的代表艺术家修拉，在作画的时候，常常用数学公式计算出一块色彩区域所应该包含的颜色成分以及该颜色成分的含量，并且把莫奈那些前印象派的“写意式”的笔触转化为均匀的、规则的点状笔触。修拉的画面减弱了画面的空间感，人物与背景呈现浮雕式的效果。他和莫奈有些相似，都是把画布作为一种艺术实验，把科学家般理性的思维模式融入到自己的艺术创作当中；
后印象派艺术家排斥理性，认为前印象派过分的重视客观世界的描绘，只是停留在表面现象上。他们强调主观世界，注重自我表现，主动地把所描绘的事物进行夸张、变形。这两个画派都是由前印象派派生出来的画派，他们使得印象派的艺术表现形式更加现代。高更笔下的人物形象稚拙单纯，平涂的色彩，明暗在他的画面上完全被忽略，带有极强的装饰风格，他也是第一个开始关注“原始世界艺术”的人。塞尚应该说是个人成就最大的一个艺术家，他不论从色彩还是造型上都给现代艺术带来一次巨大的革新，颜色成了画面的构成因素，形体也被他主观的进行夸张，增强了物体的体积与重量感。他对色彩与素描的创新原则分别影响到了毕加索为代表的立体主义和以马蒂斯为代表的野兽派。因此塞尚被称为“现代主义之父”，说明现代艺术的根源在印象派。新印象派和后印象派代表了当时艺术的两个发展方式，冷抽象与热抽象。
印象派对美国艺术的精神影响，就好比库尔贝、马奈对印象派的影响一般，使他们对传统负有极强的反抗精神。在1908年前后，美国也形成了一个与法国学院派沙龙性质相似的艺术机构——国家设计学院。一位艺术家是否能够在艺术界取得成就完全看他们是否获得国家设计院的会员资格。1908年2月，把为美国艺术家在纽约的麦克贝思美术馆举办了一次类似于“法国沙龙落选作品展”的八人画展。这八位美国艺术家分别是：罗伯特亨利、格莱肯斯、卢克斯、希恩、斯隆、戴维斯、劳森、普伦德加斯特，这八人中罗伯特亨利是他们的领军人物，他早年多次留学巴黎，十分喜爱马奈的作品，并把这些作品介绍给年轻的画家格莱肯斯，这使得格莱肯斯受到了极大的影响，如格莱肯斯创作的《切兹蒙昆》无论从构图还使色彩完全与德加的《苦艾酒》一致。还有普伦德加斯特受到新印象派的影响，画面多采用平面性的色彩图案。这个八人画派就是美国的“垃圾箱画派”。阿纳森在《西方现代艺术史》中这样评价“垃圾箱画派”：“1908年的八人画展的重要意义，大概在于它是美国艺术史上一块孤立的里程碑。……然而却又一批艺术家和学生，汇入亨利创立的独立艺术画派，他们以不同的方式，继续探索美国绘画新思想。这些人包括美国重要的抽象艺术家麦克唐纳-赖特、布鲁斯和斯图尔特戴维斯，以及致力于探索各种不同形式的现实主义和浪漫主义的贝洛斯、霍伯。……这把个人以及他们最紧密的追随者们的活动，在美国现代绘画史上具有十分重大的意义。”[[5] 引自《西方现代美术史》 阿纳森（美）著 邹德侬 巴竹师 刘珽 译 天津人民美术出版社][5]
印象派作为美国现代艺术的启蒙导师，传递给美国艺术家与传统反叛的精神，这种反叛精神使得美国的艺术风格风起云涌，逐渐在二十世纪后美国接替了法国成为世界现代艺术的领军者。
小 结
法国印象派通过技术革新与精神的支持对美国现代艺术产生了巨大影响，在这两种影响使得美国艺术逐步摆脱了欧洲艺术学徒的身份，逐步探索出一条美国独立的艺术道路。20世纪美国成为世界头号经济强国，商业艺术与大众文化的兴起，博物馆与新的传播媒体的普及，使得美国现代艺术引领了世界范围内的艺术的发展方向。