水彩参考文献
约瑟夫·马洛德·威廉·透纳（Joseph Marroad William Turner，1775-1851）是英国最为著名，技艺最为精湛的艺术家之一，19世纪上半叶英国学院派画家的代表，在西方艺术史上无可置疑地位于最杰出的风景画家之列。与约翰·康斯特布尔并称为"真正使英国风景画摆脱荷兰、法国或意大利绘画影响而走上自己独立道路的两个人".透纳以善于描绘光与空气的微妙关系而闻名于世，尤其对水气弥漫的掌握有独到之处。他在艺术史上的特殊贡献是把风景画与历史画、肖像画摆到了同等的地位。透纳生前即享有盛名，1851年去世后依然在世界各地受到敬仰和追摹直至十九世纪晚期。然而，对透纳所有艺术成就的认识则是更后来的事。透纳晚年尤其自十九世纪四十年代起即致力于绘画形式与色彩的探索，人们从他后期那些大胆的习作中找到了印象主义和现代抽象绘画的发端。透纳的绘画艺术到底具有哪些历史意义？对这一问题的回答首先需要机会。过去半个世纪以来，一系列重要的展览和美术馆的陈列被展了透纳各式各样的作品，增进了人们对他的不断认识。这类展览和陈列，许多是由泰特美术馆举办的。透纳生前立下遗嘱将作品捐献给国家，使得共计一百多幅油画成品，数千幅速写和纸本绘画珍藏于泰特美术馆的克劳馆，该馆也是国际透纳研究中心，近年开展的一些国际交流项目，在新的文化语境中进一步扩展了透纳的声誉。
编辑本段人物生平
成名之初
透纳于1775年4月23日生于科文加登的梅顿莱因，父亲是个理发师。母亲死于精神错乱。他于1851年12月9日卒与同地。透纳10岁时已表现出绘画才能，被送到一个叔叔那里上学。在绘画上他是个早熟的孩子。透纳最初跟一个地貌色彩画家汤玛斯·马尔顿学水彩，在父亲理发店的橱窗中摆放和销售作品。透纳很早就认识到要想成为一个出名的画家，英国皇家美术学院是一个很好的平台。1789年，十四岁的他进入皇家艺术学会学校学画，第二年春天，即1790年的年展上，他首次展出了自己的水彩作品。不久，他父亲退休离开理发店，全力帮助他的儿子。1793年，透纳建立了自己的画室。传统观点认为，水彩仅仅是一种彩色素描，但是透纳却很快打破了这一陈套，创作了更有其实，更个性化的水彩作品，要让水彩画与当时皇家美术学院传统上更重视的油画的观点分庭抗礼。1799年11月，透纳成为皇家美术学院最年轻的候补会员，在十年时间里，他展出了60多件作品，在批评界树立了牢固的声誉，为日后突飞猛进的发展奠定了基础。24岁，因他在艺术上的突出成就，被英国皇家艺术学会破格接纳为最年轻的会员。他曾走遍意大利，最后才专心去描绘大海的光色和空气的变化。他悉心研究海上光的强度、云彩和风雨的活动，在色彩上，他培养了一种具有浪漫主义感情的特殊手法、创新色彩，着对后来英、法两国的印象主义运动有很大的促进作用。透纳自己曾说，描绘自然需要准确的观察力，他的绘画是他视觉经验的准确体现，而透纳的视觉经验正是他长期细致观察大自然的结果。 邓斯坦博城堡
现代大师的产生
户外绘画
1802年二十六岁的透纳当选英国皇家美术学院正式会员，并在1807年成为学院的透视学教授。他强烈建议皇家美术学院能够设立一个风景画接受的席位。1811年透纳逾越他的份内职责，在皇家美术学院举办了一个题为《背景——建筑和风景画入门》的讲座。在这次讲座中他告诫学生们：“选择、整合、浓缩自然之美及美术之妙，既是他这类风景画家的职责，也是其他艺术门类的职责”。和当时其他英国画家一样，如约翰·康斯特布尔（1776-1837），透纳也尝试在户外作油画素描，就像五十年后的印象派画家那样。在大量的素描和水彩习作中，他记录了自己对风景、光线和空气状况的体验，从而为一批室内创作提供了基本的素材。
战争与和平中的不列颠
在透纳成年后的22年中，英国一直在与大革命时期及拿破仑时期的法国交战。1805年纳尔逊勋爵在特拉法尔加海战中大败法国舰队，法国入侵英伦已不太现实，但英国的警备并未松懈，一直到1815年，拿破仑在滑铁卢战败，英国才稍感轻松。战争成了英国民众心头的大事，因此透纳此时和其后的许多作品都弥漫着战争的气氛，皇家美术学院的年展是透纳展示自己最重要作品的平台，但特拉法尔加之战这一年，他并没有送交作品，这在他的艺术生涯中也是不多见的，他把位于哈利大街上住宅的一部分改造为一间画廊，这一年的作品就在这里展出。透纳这是在效仿雷诺兹和韦斯特等前辈画家，在伦敦市中心开设自己的画廊，极大地提高了他作品的销路和名字。此间，他在出版商那里声誉因《英格兰南海岸的旖旎风光》的出版进一步得到了提升，这是第一个以他的作品为主的风景系列。透纳的水彩不仅反映了战时的英国，还反映了更为广阔的英国生活图景。
色彩的凯歌
十九世纪二十年代初透纳的创作明显转向，随后十年便是实验与过渡的时期。最明显的重要转变是在色调上，即从自然写实的色系转向更加明亮更有力度的纯色。这段时期透纳在构思作品时，通常先要创作大量的习作，这些习作常被称为“第一层颜色”。这一用原色构筑画面的手法似乎也解放了其油画创作，引入更富有诗意的色彩处理手法。在这些年中，他一直保持着高水平的创作，完成了大批风景画。这些作品多是针对新兴中产阶级的怀旧情绪和爱国主义豪情而作，偶尔也流露出对盼望已久的英国社会政治改革最终到来的喜悦与激动之情。1815年后，滑铁卢战役为整个欧洲带来了和平，英国人又可以重访欧洲大陆了。接下来的三十多年里，透纳继续着每年的写生之旅，其足迹南至帕埃斯图姆（1819年），西涉布列塔尼的威珊岛（1826年），北抵苏格兰（1831年和1834年），东到维也纳（1833年和1840年）。不过到了1817年8月，透纳才自1802年之后第一次借战争结束的机会横渡英吉利海峡踏上欧洲大陆。 透纳在对光线的表现技巧上可谓炉火纯青，他更注重营造光线在建筑物或是自然景观上的效果。特纳表现日出日落的作品较多，这样的画面是一场场色彩与光的盛宴。尽管风景水彩画在当时相比表现所谓高雅主题的油画可谓地位地下，但透纳能够坚持在风景画的殿堂中尽情发挥，将绘画艺术推上了一个更加广阔的平台。
进入光中
进入十九世纪四十年代，一些批评家经常同声指责道，透纳的作品不论是题材还是风格都过于任性晦涩。他那时已过了65岁，于是有人就把这些特征归于他的年龄，理所当然地将他晚年的作品贬为“从昏花的眼睛和草率的手中结出的果实”。甚至其他一些人在把这些作品贬为“纯粹色彩狂热的把戏”的时候也承认它们的抽象之美，俏皮地说它们倒过来看也同样很好，或把它们形容为华丽的光线爆发。透纳坚持不懈地追求谜一般的带有他独特风格的目标，但几乎是孤军作战。他的作品销售不太好。从1820年透纳由意大利归来到1843年春天他展出了近一百幅油画，其中只有四十幅很快就有了买主。透纳对形体日益明显的模糊处理在他1840年代的威尼斯风景画中表现得最为明显，在这几幅画中他引入了一种更加克制和迷人的诗意，这与他大部分其他作品中那种崇高的野性形成对照。在这最后时期，他在那些最具幻想性的图像中反复地表现这种构图程式，把一种直截了当的光线大欢庆带入作品之中。然而值得注意的是作品中的这种激进力量在本质上还是基于他对克劳德·洛兰的持久尊崇。 透纳的著名作品虽然有几幅《威尼斯风景》、《雨、蒸汽及速度》(“Rain, Steam, Speed”,1844年作).等，但比这些作品更为人所熟知的是《军舰德美勒尔号》。从透纳的所有作品可以看出，表现着想要压倒人的一种霸气。常常在展览会的前一天，他特意到会场去，注意地看陈列在自己画近旁的其它画的色调，再在自己的画上涂以强烈的颜料，想压倒其他的画。因此有时候把整个构图弄乱，不止一次受到批评家的嘲笑。象《军舰德美勒尔号》，描绘在落日的海上，配置着已经属于过去时代的帆船和新时代的汽船，想要表现历史的感情；不过，当时它被作为只是乱涂颜料的作品，曾受到严厉的批评。 而《贩奴船》则尤其表现了他艺术的成熟。 透纳在晚年虽然成为有名的画家，过着非常富裕的生活，但很难令人想象，却是一个具有象侦探小说中那种双重性格的人，有时象个可尊敬的绅士住在山下幽静的邸宅里，有时却象“一个老船工”住在偏僻地方的贫民窟里，穿着破烂的衣服，一面晒太阳，一面给贫民窟的孩子们信口开河地讲“乘船的冒险故事”。而且他死后，尸体也发现在贫民窟一间肮脏的屋子里。
编辑本段成就及荣誉
如果你没有看过那幅曾被英国人评为“世界十大名画之首”的《战斗的泰梅莱尔号》，也没有见过那幅曾拍出2000万英镑天价的《珠玳卡岛》，但也许听说过国际上最负盛名的当代艺术大奖——英国特纳奖。这项欧洲最权威的视觉艺术奖，便是以今天的主角透纳命名的。 生于泰晤士河边的透纳，似乎天性里就有一种游吟诗人气质。从17岁到70岁，他从未间断过在英伦三岛和欧洲游历、观察和写生。不但跑去法国领略拿破仑掠夺来的欧洲绘画珍宝，更多的去处，则是乡间、海边、山野、湖畔……。感性、灵性加高产似乎一直是透纳作画的特质，他曾经在意大利短短两个月中，便创作了1500多幅水彩速写。有时还在画上附注颜色，例如“土壤呈浅红色、灰绿色，大海是蓝色，阳光下薄雾和煦，叶簇明丽，阴暗处呈宁静的灰色”等等。这些都极大锻炼了透纳观察自然物象微妙变化的独特本领，也促使他后来形成以表现大自然中光线、雾气、风雨、雷电等异常景观为特色的艺术风格。当然，他的激情和技法也很快从水彩画升华到油画创作上。
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论水彩画艺术的韵味
如东县栟茶中学 沈鹏
摘 要 水彩画艺术的韵味是水彩画审美价值的基础，其独特风貌来源于它的水韵、色韵、笔韵、纸韵以及趣味之韵等。
关键词 水彩画 艺术 韵味
英国著名水彩画家和美术评论家乔·雷思金（JOHN RVSKIN）指出：“水彩画在画家的处理下，水滴和它明快性质所形成的幻想与造化、溅泼的痕迹，凝结的色块以及斑斑的粒状，虽然对画家的表现没有什么意义，但由于偶然产生的梦境似的造化、清新的趣味、明丽的色调与轻柔的感觉，是其他材料所没有的。”①的确，水彩画之所以独立存在，是因为它有着某种不可替代性，它所运用材料的本体特性成就了水彩画艺术语言有别与其他艺术的独特的艺术韵味，而这种独特的艺术韵味正是构成水彩画审美价值的基础。
对于“韵”，中国人从古到今多有论述，并有深刻的理解：“韵”字在演化过程中，一向具有两种含义。一种指音韵之“韵”即指音乐的旋律。②“另一种指气韵之“韵”即指人物的风神。”③至于用气韵来进行艺术审美品评，影响最深远的当推南齐谢赫的画论，他把“气”韵，生动是也“④置与六法之首》钱钟书先生说：“韵乃取音乐为喻”，且作如下申说：“神”寓体中，非同形体之显示，“韵”袅声外，非同声响之亮彻；然而神必托体方见，韵必随声得聆，非一亦非异，不即亦不离。⑤这是立足审美学意义上对“韵”较为得体透彻的剖析。由此看来，韵之二义是即相互区别，又相互包容的关系。
“韵”存在于事物状貌之中，事物个性特征是生成事物独特韵味的基础，有什么样的事物状貌，就有什么样的韵味与之相对应，正所谓“天地有情、万物有韵”（郁达夫），山有山韵，海有海韵，风有风韵，每一个画种有每一个画种的韵味。
水彩画的韵味，来自于它所使用的工具材料有别于其它画种，形成了具有独特风貌的水韵、色韵、纸韵以及趣味之韵等韵味。
一、水韵
对于水彩画来说，水是它固有的本质特征和优势，水无疑赋予色彩以生命。水的运用是水彩画的基本技能，同时也是最高深的技能，一幅水彩画的成败，无一不与水分运用得好坏有关。
水彩画中水的韵味有种种不同和差异，有水的流动韵味，水的沉渍韵味，水的渗化韵味，水的冲洗韵味等多种效果。
水的流动韵味是指水的流向，造成画面有一种动感，或急或缓，使观者为之欢愉激荡，一般画天空、画浮云、画云彩多见这种效应，画家作画时，通过将画板按画面的需要向不同角度倾斜，使水色自然流淌。如我国水彩画家曹文侃的作品《春雨》（《中国当代水彩画精选》江苏人美出版）画面中出现了大面积的水色流淌痕迹，由上而下，似树、似雨、似雾、似影，在似与不似之中，营造出了无穷灵动的艺术韵味，达到了神似的境界。以如著名的水彩画家漆德琰的作品《土墙》（《中国水彩》1999年第8期）墙面斑斑的肌理表现是这幅画的关键所在，在画面左侧和上方水色往下流淌的痕迹，看似天然形成，实则是作者独具匠心的营造，那充满韵趣的痕变，既丰富了画面，以使自然之象与审美情韵的传达达到高度统一。
水的沉渍韵味，就是国水色在画中沉渍而造成周边有斑斑驳驳的水印痕迹，其形态多姿多彩，为画面增添了生动的斑斓之美，此法最适宜表现雨天泥泞的道路和破旧残断景物。上海画家王亚平贯用此法表现江浙一带民房旧宅，较好地表现出了所画之物的苍桑感。他作画用水十分饱和，并善于大面积地将水色沉渍，有的沉渍多次。既形成了丰富的层次感，又有透明感，其代表的作品《海魂》就是主要运用此法制作完成的，效果极佳。
水的渗化韵味，即水色相互渗化而产生的生动浑然的效果，这种效果，这种效果给人以自然柔美的艺术感觉，通过水色渗透化使艺术作品学脉流畅，经络舒展，神情充沛，通体和谐，水彩画中的湿面法就是这种方法。用此法表现雨景、云彩以及朦胧之物象最为合适。上海水彩画家柳毅其风格特色就在于作品中使用的渗化技法，他的作品水色互渗，虚虚实实，朦朦胧胧，韵味十足。其代表作品《水随天去》（《中国当代水彩画优秀画家作品精选》福建美术出版社），就是大面积运用此法完成的，画面饱和的色和饱和的水互相冲撞渗溶，趁画面未干时画上物体大形以及长长短短的线，使形和线通过渗化产生虚实变化，很好地刻画了雨雾之中江南水乡如诗如画的景象。
水的冲洗韵味，就是用水冲洗、滴洒画面，从而产生画面朴朔迷离，隐约变幻的艺术效果，增加了画面的神秘感和偶然趣味。通过冲洗，滴洒，还可使画面产生层次感。如广东著名水彩画家王肇禹的许多作品均采用了洗的技法，作品给人发以厚重，含蓄和富有力度感，成为自己富有特色的艺术语言。
二、色韵
色彩是万物之貌，是绘画艺术中最富表现力的因素。色彩的表现与水的运用显得同样重要。对于色韵的感悟，来源于对色彩语言的基本把握。
在水彩画中，每一笔颜色上去，应该说既是形，又是彩，既是笔，又是情，既是具象美的表述，又是抽象美的构成，画家的高明之处就是善于把颜色驯服，通过对色彩的交织、重叠、对比、变化、统一成富有韵趣的色彩画面，使人产生美的愉悦。
对于水彩画色韵的鉴赏，主要是从以下几个方面来把握：
(一)色的整体感，色彩整体感的把握，是最能显示画家色彩功力的，一幅画，色彩整体感的关键在于色调，在于处理好色的和谐与对比关系。色彩整体感讲的是色调，色调是色彩总体关系的一种倾向，色调的形成只有与作品的总体构思，主题以及画面形象有机的统一起来，联系起来才能产生无穷的韵味。由此，我们不难看出，整体感所反映的是色彩的一种和谐之韵。
（二）色的透明感，水彩画色彩具有通透、明亮、空灵的效果，透明是水彩画的一个重要特征。透明感是人们审美追求的一种境界，人们在现实生活中总是向往着一种明净清纯，一种轻松愉快的生活，水彩画用色的透明效果，很好地吻合了人们的这种生理和心理的审美需求。
（三）色的新鲜感，清新亮丽是水彩画的又一特征，水彩画色彩的新鲜感来自于水色的综合作用，来自于色彩间的相互对比，来自于色彩的纯洁性。新鲜感受传达给人的是一种活力，一种激荡勃发的情感受。湖南水彩画家张毅的作品中，色彩的新鲜感就表现得尤为突出，其作品往往是用大片醒目的色彩铺于画面，同时又有几块明丽的冷调子和暖调子点缀其间，使色彩纯度都很高，给人一种赏心悦目的新鲜感，如他的《塔林晨光》（全国第九届水彩、水粉画展参展作品）便是新鲜感极强的例子。
（四）色的构成感，画家将色彩根据需要在画面上进行有机的组合以产生美感，不同的组合可产生不同的美感。构成感在现代绘画的表现中尤为突出，应该说构成感是贴近现代审美意识的艺术语言形式。在水彩画领域中，具有浓重构成意味的作品虽不算多数，但这类为数不多的作品，却带给人们一种全新的艺术感受。
（五）色的装饰感，色彩的装饰性来源于作者的设计意识，作家通过对色彩的概括、提炼和夸张，使色彩富有简炼、单纯、含蓄的整体性，形成极强的视觉冲击力，让人有一种别样的美感。我国著名画家吴冠中的作品，有着很强的装饰性，并以此形成了独特的艺术风格，为世人所公认和赞誉，他的每一幅作品的用色，可以说都是精心设计和安排的。
色能生情，色能传情，色的灵韵来自人的心灵感应，色彩要有自身的特点和特性，有特性才能有韵味，没有特性的色彩是无法打动人心的。
三、笔韵
可以这样讲，没有哪一个画种有水彩画如此丰富的用笔：底纹笔、水彩笔、毛笔、水粉笔、油画笔、油漆刷等都可以为之，当然，用笔的多少并不能决定作品水平的高低，关键在于使用不同的笔，便能产生不同的笔韵，这就大大丰富和增加了水彩画的美感。
笔型韵，主要是指笔头的形状。扁形笔头因笔头扁平，画出来的笔迹便有扁平韵味，很适宜对平、方、有力度感的物体进行塑造。用圆头笔作画，便有圆润、流畅之韵感，很适宜对圆、不规则和有柔和感的物体进行表现，更适宜对形体进行勾勒处理。
笔性韵，是指用笔软硬刚柔的品性。画家在具体运笔过程中或表现为用笔刚劲有力，洒脱自然；或表现为柔软平和，抒情画意。一幅好的画，其用笔应该是软硬兼施，刚柔相济。
笔势韵。笔能生势。用笔之势在于笔的走势、笔的风格和气势。一幅作品用笔的藏与露、急与缓密与疏、统一与凌乱给人的感觉是不同的。好的作品，用笔都很讲究，很协调统一。笔势具有某种程度上可以说是画家情感状态的一面镜子。笔势具有很强的形式感，这种形式是具有美的形式感，这种形式是具有美的意味的形式。英国水彩画家透纳的作品笔势生动、气势磅礴，充分体现了笔试的艺术魅力。
笔的灵动之韵，是说用笔的变化。笔在画家手的控制之下产轻重缓急，有节奏律动，笔致随情绪心迹挥洒。能做到“一笔下去，气脉通贯”实为不易，笔的灵动之韵是集形、气、力、情等因素于一体倾注于画面，达到坚柔并蓄、变化自如的感人效果。
四、纸韵
水彩画的用纸品种多样，各国纸张有都有各自的特点，能产生不同的纸韵。但总体上看，水彩画的纸韵主要体现在纸的内在品质和外在感性上。
从外表上看，水彩纸纹有粗有细，有光有平，有条纹也有网纹，有冷色也有暖色的各种差异。
粗纹给人以丰厚、力度之感。细纹给人以细腻、柔和、精致之感。平光的纸面给人以挺刮、顺畅之感。冷色纸面表现多了几分沉稳与含蓄，暖色纸面多了几分亮丽与爽朗。
从纸纹的品性上来看，有吸水性强的、有吸水性弱的、有渗化强的、有渗化性弱的。吸水性强的纸给人以饱满硬朗之感。吸水性弱的纸给人以单薄、平脆之感。渗化强的给人以滋润、甜畅之感。渗化性弱的给人却是凝练平和的感觉。当然，在实际运用中，还要看画家的表现力如何，不能一概而论。
五、趣味之韵
趣味之韵是人类精神生活的一种追求。对趣味的审美表现是艺术创造活动的一种追求。绘画艺术的最高境界是情趣境界，即有情，也有趣。水彩画家们在开拓水彩表现领域，丰富水彩语言的同时，也使水彩画的趣味之韵得到了极大的丰富提高。如水与油相渗所产生的不相溶的班驳气息；用食盐均匀地撒在画面上，吸去颜色，会出现均匀奇趣的斑点；以色调胶又能产生不不渗和厚重的效果；以蜡涂于纸面辅之以色，能产生斑斓和颤动的感觉。水彩画的趣味之韵会随着技法的发展而不断增加，使水彩画变得更加让人喜爱和品位。
水彩画独特的艺术韵味，离不开所运用工具材料本体特性，也离不开水彩画家的把握和发挥。水彩画的发展，既要水彩画家在形式语言上不断进行探索实验，更要水彩画家加强各方面的艺术修养，提高艺术品位，这样才能孵化艺术韵味的内在动力。
参考文献：
1、蒋跃：《水彩画艺术的写意性》《美术》2000年第五期
2、3、4、5邓牛顿：《中华美学感悟录》第110、111页
㈢ 有关垃圾分类的相关参考文献
城市垃圾分类处理方法，其主要包括下列步骤：（1）初分，将可以单独处理的垃圾从城市垃圾中分离出来；（2）一次破碎；（3）一次分选，将垃圾物料分为主要由无机物构成的重物料和主要由有机物构成的轻物料两类；（4）重物料粉碎；（5）重物料磁选，将重物料分为磁性重物料和非磁性重物料两类；（6）轻物料粉碎。对磁性重物料进行冶金选矿，分选出来的精矿沙用于冶金原料，分选出的尾矿砂混入所述的非磁性重物料中一同进行处理，非磁性重物料用于制造建材或用作填充物，粉碎后轻物料用作燃料、用于生产沼气、用于堆肥或者制造肥料。本发明将绝大部分城市垃圾都作为可回收利用的物料加以分类和处理，有助于使大部分城市垃圾得到资源化利用。
在日本，家庭里的垃圾属于生活垃圾，主要分为两大类：可燃烧垃圾和不可燃烧垃圾。可燃烧垃圾主要是做饭过程中产生的垃圾，在日本又叫做“生”垃圾。因为它有味道，所以一周中有两天可以扔这种生垃圾。生活在日本扔这种生垃圾可是日常生活当中的一件大事，如果忘了就得忍受它放在房间里时间长了的味道。你不可能把它放在屋外，因为猫狗会把垃圾袋咬破 ，垃圾会乱洒一地。 纸张类等当然也是可燃烧的，但如果稍大就可以回收再利用，所以书籍报纸甚至装糖果糕点的纸盒都要另外留起来，在一个月两次的这种纸类垃圾的回收日里扔到垃圾站点。这些垃圾不会烧掉，而是经过处理再次利用。在日本有一种纸张叫“再生纸”，应该就是通过这种方法做成的纸。 还要再说说用过的油的处理。做饭用过的油如果倒在水道里，会污染环境。在日本超市里卖一种凝固剂，把它放在不要的油里，凝固后用报纸包好，作为可燃烧垃圾处理。 不可燃烧垃圾包括玻璃类、陶器类、金属类、塑料类、泡沫塑料类、皮革类、橡胶类、木头树枝、小型家用电器（大型家用电器是要收费的）和其他一些如玩具、枕头、席子、蜡笔、水彩等。其他的一些不能燃烧的垃圾，如罐头盒、玻璃瓶和塑料瓶是另外回收的。因为这些东西可以再利用
㈣ 怎样学好建筑设计
怎样学好建筑学，笔者根据多年的工作实践经验以及对刚毕业的学生的见习指导，针对
建筑学专业的学生，在建筑设计实践过程中对建筑设计的基本学习方法作了一些有益的探
索。
一、现状分析
1.在近几年刚毕业的学生的见习指导过程中，发现有的学生拿到一个项目不知道从何
下手，没有掌握作方案的基本方法;还有的学生在作方案时缺乏空间概念，画的方案草图根
本就读不懂;像这样的情况怎么搞得好设计呢?
于是我专门到几所大学对建筑学专业学生进行随机抽样调查，有60%被调查的大学一
二年级的学生不知道所学专业是干什么的，对所学知之甚少;有20%被调查的学生到了大
学对不同专业多少有了一些了解后，就希望能够转专业去学别的专业。在很多学校都存在
这样的问题，这是一个很严峻的现实问题，除了在招生方面需要大力改革外，还需要其他各
方面的努力，不过，这不是我们今天要讨论的话题。
2.建筑学专业有别于其他专业，综合性强是其最大的特点，他涉及到建筑材料、建筑结
构、建筑施工、设备等多个专业的密切配合，同时还需要具备建筑历史、建筑艺术等各方面的
修养。所有这些都需要在理论学习的同时通过综合实践加以提高，因此，它又是一门实践性
很强的学科。
当今社会已进人飞速发展的信息时代，我们的教育正在发生着深刻的变化，专业的概念
逐渐淡化，不论是建筑学专业还是别的什么专业毕业的学生，选择职业和将来再就业都将存
在着多种可能性，比如建筑学专业的学生毕业后就可以选择到设计、房地产开发、监理等单
位去工作，或者从事理论研究、建筑行业的行政管理等等。因此，建筑学必须以培养学生多
方面能力特别是创造性思维能力为出发点，树立以学生个性发展为主、使之具有扎实的理论
基础、广阔的知识面和较强的综合能力为目标。同时，加强专业课程的学习和训练，增强学
生多方面就业的后劲。
3.作为初学者必须掌握建筑学专业课程的学习方法，从最基本的技能训练开始，逐步培
养空间思维能力、创造能力和实践能力，牢固树立全局的观念，把握建筑空间尺度的概念，在
各种基本技能训练和工程实践中必须始终坚持贯彻这种思想。只有这样，才能够真实的感
受到什么是建筑，才能够感受到设计的真实意义，才能够真实的理解和掌握建筑设计的原理
和方法。
二、牢固树立全局的观念
1.事实上，我们作任何事情都应当具有全局的思想。比如:我们建筑学专业的学生都要
学美术课，大家知道不论画什么类型的画，都要经过从总体到局部、再从局部到总体的过程，
这实际上就是一个全局观念的训练。同样，我们学习建筑学首先也应当树立全局的观念。
2.从建设项目全过程的高度来认识建筑设计
我们知道，一般建设工程项目从提出到建成需要经历三个阶段:投资决策阶段、建设实
施阶段、交付使用阶段。
投资决策阶段:包括项目建议书阶段，要向国家提出建设一个项目的建议性文件，论述
拟建项目的必要性可行性，获利获益的可能性，向国家推荐建设项目，供国家选择确定是否
进行下一步工作;可行性研究阶段是通过调查研究分析与项目有关的工程技术经济等方面
的条件和情况，对可能的多种方案进行比较分析论证，同时对建成后的经济效益进行预测和
评价的一种投资决策分析方法，批准的可行性研究报告是项目的最终决策文件。经有关部
门审查通过，拟建项目正式立项。
建设实施阶段:包括设计阶段、施工准备阶段、施工安装阶段、生产准备阶段、竣工验收
阶段。
交付使用阶段:有建设单位组织勘察、设计、施工、监理等有关单位参加竣工验收，验收
合格后即可交付使用。
不论是谁，只要是从事建筑工程项目有关工作的人，都应当认识到这一点，知道我们在
作什么工作，在做那一步工作。站在建设项目全过程的高度来认识建筑设计任务和要求，理
解建筑设计的依据，对工程进行系统的研究，拿出具体的实施方案，满足投资控制和质量等
各方面的要求，通过多方案的比较选择做出技术上可行、经济上合理的设计方案。
3.设计阶段的全局思想
设计是对拟建工程项目经过多方案比较选择最佳方案、在技术上和经济上进行全面安
排的创造性活动，是工程建设项目的具体化，是组织施工实施的主要依据。
一般工程进行两阶段设计，也就是初步设计和施工图设计;为了解决初步设计中的重大
技术问题，比如工艺流程、结构技术、设备选型等等，根据初步设计和有关设计资料还须进行
技术设计。在这个阶段我们要掌握工程设计的主要依据，比如:有关工程设计的法律法规，
工程设计的有关规范要求，城市规划要求等。重视工程建设项目初步方案的设计。
4.初步方案设计的全局思想
建筑方案设计离不开建筑单体所处的总体环境，而且建筑环境对建筑单体设计布局往
往具有决定性的影响，因此我们要学好建筑学，就必须通过这种训练，学会从建筑单体所处
的总体环境出发，掌握从总体到局部、再从局部到总体的思考方法;这就是建筑设计阶段的
全局思想，同时还应掌握按比例徒手画方案草图的技能。
建筑设计方案不是一毗而就的事情，必须认识到这一点，学会打开思路、多方案比较、反
复修改的思考方法，学会综合分析平面、立面、剖面关系，最终满足建筑实用性、艺术性和经
济性的要求，为人们创造良好的室内外建筑空间环境，实现较好的经济效益和社会效益。
三、逐步建立空间尺度的概念
1.认识建筑，树立正确的建筑观
要学好建筑，必须对建筑和建筑设计有一个正确的认识和全面的了解，通过学习和理解
建筑的空间组成和构件组成，理解和掌握建筑构造、构成原理，逐步建立空间尺度概念，从而
树立正确的建筑观和建筑设计思想，为建筑设计和方案创作打下坚实的基础。
对建筑的认识，虽然有很多不同的理解，形成了很多流派。但是，作为初学者应当从建
筑的目的出发，去了解建筑发生发展的基本规律，理解建筑在人们生活包括物质生活和精神
生活中的作用，树立正确的建筑观。
大家知道，我们人类最基本的需要是衣、食、住、行，要解决住的问题就需要建造围合一
定的空间，这就产生了建筑，这也是建筑最基本的目的。但是，随着社会的进步，人们不满足
一定的空间环境，还需要这个空间环境给人美的感受、精神上的愉悦。
所以，建筑就是为了满足人们物质和精神生活的需要，满足人们实现不同的生产生活和
物质文化等社会过程的需要，而创造的有机的建筑室内外空间环境。
既然建筑就是为了满足人们物质和精神生活的需要，因此，建筑具有物质特性和精神特
性。从物质特性来讲，建筑首先是物质资料的生产，它是物质产品，是由各种物质材料、构配
件等通过物质生产过程而建造起来的。
从精神特性来讲，建筑是人们按照美的规律加工而成的产品，满足人们精神上的愉悦，
必然具有特定的思想性和艺术性。同时，在一定程度上体现人类社会进步和时代发展的精
神风貌。
2.空间尺度的概念
建筑是由各种物质材料构成的空间，那么这个空间多大合适呢?很显然，不同的建筑有
不同的空间要求。这就需要我们建立正确的空间尺度概念，创造满足人们不同需要的建筑
室内外空间环境。作为初学者，必须通过多看、多想、多实践来建立空间尺度概念。
空间尺度是衡量建筑空间及其构成要素大小的某种主观标准，它涉及了空间形象给人
的视觉感受是否符合其实际尺寸的问题。比如:一个一般的卧室，层高作2. 2米就会感到很
压抑，如果作3. 5米就显得太高了不亲切，作2. 6-2. 9米感觉就比较正常。
又比如:圣索菲亚大教堂，东西长77. 0米，南北长71. 7米，它的弯顶中心高55米，空
间层次由外向内逐步扩大，引起人们对空间漫无边际的幻觉。
3.空间尺度概念建立的前提条件
我们知道任何一幢建筑总是有不同使用要求的空间组成，这些空间一般都是由室内主
要使用空间、辅助空间、交通空间和室外使用空间(比如:看台、庭院、阳台等)组成的，作为初
学者一定要学会这种空间分析方法，搞懂建筑的空间组成，这是空间尺度概念建立的前提条
件。
4.空间尺度概念建立的途径
建立正确的空间尺度概念一般有这样三种途径:从书本中学习，从生活中学习，从实践
中学习。从书本中学习:重视《建筑设计初步》等启蒙课程的学习，同时，结合《建筑制图》、
((建筑构造》等课程，把这些内容相互联系起来，从建筑构成基础训练到图示分析训练，通过
认真观察、分析、思考、理解，逐步建立空间尺度概念，培养空间想象能力、图示表达能力和
创造能力。
从生活中学习:建筑物按照用途一般可分为生产性建筑、居住建筑和公共建筑。在我们
的生活当中随处可见各种类型的建筑，要学会把所学和所看到的建筑联系起来，去分析现实
有的特性和表现力进行材料特性的造型语言设计，如何将材料文化完美地表达在设计产品
中。不同地材料促使产品造型形成不同的风格。如以椅子的造型为例，大理石椅子厚重;木
椅子特有的美丽木质纹路使其形态纯朴、轻快、柔和;金属椅子线条简洁流畅，体现了钢的强
度与弹性的结合;工程塑料椅子简洁优美、适应性强，符合人体工程学的要求。
四、结束语
材料与加工工艺课程是工业设计专业的专业基础课。任何设计都应有与之相适应的材
料体现出来，以及合适的加工方法生产出来。完美的设计在材料中体现，材料也体现了设计
者的风格。一个优秀的设计师只有熟悉各类材料的特性、规格和加工方法，才能很好地、合
理地选择材料，并较好的发挥材料在工业产品造型设计中的作用，把选材、用材和产品造型
设计有机的结合起来。设计师对材料有理性的认识，而更多的是感性认识，这就要求我们利
用和完善演示教学，使课堂教学生动、活泼、直观，使学生更快、更好地掌握材料与加工工艺
这门课，为成为一名优秀的设计师打下扎实地基础。
参考文献
1张树辉，草爱萍.教学演示是建筑材料课程的主要教学模式[J].广西高教研究，2001(2)55^-56
2陈平.走向工业设计一中国首届工业设计国际研讨文论集〔C].上海科学技术出版社，1993. 109-r 113
3张森，宗绪锋.多媒体CAI课件基本原理与制作技术.北京航天航空大学出版社，2000
(上接第38页)
生活中建筑的空间组成，去领悟现实生活中建筑的特点和空间尺度。
比如:办公楼层高为3米，你的感觉是什么?它和3. 9米高的计算机房在空间感觉上又
有什么不同?1. 05米高的栏杆和。. 15米高的踏步究竟是多高?把它和你的空间尺度感觉
联系起来思考，等等。
从实践中学习:正如前面我们所讲到的建筑学是一门实践性很强学科，所以必须坚持实
践、实践、再实践。
通过实际项目的全过程训练，掌握设计调查、规划分析、环境研究方法，掌握从不同的地
区环境及文化历史的角度进行建筑总体规划和方案设计研究的思考方法，直到具体的建筑
构造方法、材料的选用、细部的处理等施工图设计全过程的训练，建立起清晰的空间尺度概
念，提高综合实践能力和方案能力。因此，建议大家利用寒暑假到相关单位去实习。不管是
设计单位还是施工单位，只要和建筑沾边的部门都可以去锻炼。
四、重视相关专业课的学习
建筑本身是一门综合性很强的学科，它涉及的知识面广、相关专业课程多，因此，要学好
建筑学还必须重视相关专业课的学习，比如材料、结构、设备等技术课程的学习，建筑经济管
理等课程的学习，认真学习美术包括素描、水彩画、水粉画等有助于提高艺术修养的课程。
另外，还应当学习和了解国内外建筑历史文化，这是建筑的根，如果缺乏这方面的修
养，就很难理解建筑发生、发展的基本规律，很难在建筑创作领域取得什么艺术成就。
综上所述，要学好建筑学，必须做到理论与实践相结合，多学科相联系。通过刻苦钻研、
深刻领悟、反复实践，牢固树立全局的思想，逐步建立起空间尺度概念，重视相关专业课程的
学习，提高建筑理论水平和艺术修养，将来成为一名出色的建筑师。
㈤ 有毕业设计和论文的制作吗
世纪有两次巨大的艺术革命，从世纪之初到第二次世界大战前后的现代艺术运动就是其中的一次，影响深远，并且形成了我们现在称之为“经典现代主义”的全部内容和形式。在众多的现代艺术运动中，笔者认为其中不少对于现代平面设计有相当程度的影响，特别是形式风格上的影响。它们或是在意识形态上提供了现代平面设计的营养，或是在形式上提供了改革的借鉴，对于现代平面设计总体来说，具有相当重要的促进作用。
一、 立体主义的形式对现代平面设计的影响
立体主义是现代艺术中最重要的运动。这个运动起源于法国印象派大师保罗·塞尚。他在1900年前后，开始探索绘画的“真理”。他创作了大量的风景绘画，采用小方格的笔触来描绘山脉、森林，他认为用这种方法，才可真正捕捉到山林的本质，而不至于仅仅浮在事物的表面。追求找到描绘对象的实质表达对象的精神，达到神似，而不是简单的表面写实主义再现的形似，这成为塞尚创作的核心。他的作品，也深深影响了青年一代的艺术家特别是来自西班牙的青年巴布罗·毕加索和法国青年艺术家乔治·布拉克。他们在1907到1908年之间开始以小方格的笔触描绘人物和风景，他们不断交流，互相影响，而他们的创作，遭到当时法国主流艺术界的抵制，但是他们依然坚持不懈，创作丰富。而在具体的创作上，他们的风格日益抽象，并且开始把印刷文字、废报纸剪贴等加入画面，把以前依稀可辨的对象发展成为基本抽象的几何图形构成，色彩上也越来越单纯，笔者认为这在一定的基础上具备了平面设计的意味，把当时的平面设计从具体的文字、绘画表现手段中逐渐解放了出来。因为这个运动的中心形式是由对对象的理性解析和综合构成。因此，它的发展具有某种程度的理性化特点。对于当时正处在探索20世纪新形式的平面设计来说，立体主义提供了借鉴的基础。立体主义在第一次世界大战前后成为影响各个欧美国家的国际运动。它包含了对于具体对象的分析、重新构造和综合处理的特征，这个特征在某些国家得到更加理性的进一步发展，这种发展造成对平面设计结构的分析和组合，并且把这种组合规律化、体系化，强调纵横的结合规律和理性规律在表现“真实”中的关键作用。这种探索，特别是在德国的世界最早和现代的设计教育中心——包豪斯设计学院中得到发扬光大，并体现在平面设计中。因此，笔者可以说，立体主义提供了现代平面设计的形式基础。
二、 现代平面设计中的未来主义的版面编排
未来主义运动是意大利在20世纪初期出现于绘画、雕塑和建筑设计的一场影响深刻的现代主义艺术运动。对于平面设计来说，笔者认为未来主义体现在它的众多的未来主义诗歌和宣传品的设计上。费里波·马里利蒂为了进行未来主义宣传和树立未来主义精神，在运动一开始就撰写了大量的诗歌，这些诗歌的创作和文学作品根本无法通读。在这种前提下，版面的无政府主义式、反常规的编排就成为提倡这个运动精神的方式。他们认为目前的语言，包括文法、句法等等，都是陈旧的象征，没有存在和发展的意义，新时代的语言应该是不受这些规律限制的自由组合。在版面编排上，未来主义主张推翻所有的传统编排方法，以完全自由的方式取代：编排自由，纵横交错，杂乱无章，字体各种各样，大小不一，在版面上形成一个完全混乱的、无政府主义的形式。因此从这里开始，意大利未来主义形成了自己的平面设计风格，称为“自由文字”——版面和版面的内容应该是无拘无束的、自由自在的。这种主张，在未来主义艺术家设计的海报、书籍和杂志设计中得到了充分的发挥。文字不再是表达内容的工具，文字在未来主义艺术家手中，成为视觉的因素，成为类似绘画图形一样的结构材料，可以自由安排、自由布局，不受任何固有的原则限制。笔者在这里想表达的是未来主义在平面设计上提供了高度自由的编排借鉴，当现代主义平面设计风格形成后，特别是第二次世界大战之后，在西方确立，成为了国际平面设计风格，这种趋向反理性和规律性的风格就基本被主流设计界接受了。特别是20世纪80年代末到90年代，未来主义风格在西方的平面设计界中取得了重视，电脑在设计上的广泛应用，使类似未来主义风格的设计变得非常容易，因此成为时髦和风尚。对现代平面设计的版面编排形成了独到、经典的应用效果。
三、 现代平面设计中的超现实主义思想观念
超现实主义是欧洲出现的另外一个重要的现代主义艺术运动，在文学、戏剧和艺术上都有不同程度的发展。顾名
思义，“超现实”是指凌驾于“现实主义”之上的一种反美学的流派。
超现实主义在艺术上取得非常丰硕的成功。这个运动应该说是从1917年阿波里奈尔提出“超现实主义”这个名词的时候就开始了的。契里科的作品最具有典型意义，他的绘画反映了他对意大利都灵的印象，反映的不是真实的都灵，而是梦中的这个文艺复兴加上工业化的都市——冷漠、严峻、人的失落、荒凉和非人情的隔膜，是知识分子在这个时候的惶恐心理状态的描绘。他的作品揭示了一个人类存在的，但是从来秘而不宣的精神世界，震动了艺术界和文化界。这些神秘而不为人知的精神世界正是超现实主义对于现代平面设计在意识形态和精神方面的影响。它揭示了人类的潜在意识方面，并且通过艺术创作表达这种思想，对于日后现代平面设计在观念上、创造性等方面的启迪是有一定的促进作用，促使现代平面设计走向意识形态化的创作，使现代平面设计的表现更具备意念性和理性化。
当现代艺术走上人类艺术舞台时，受其影响现代平面设计的一些流派在不断地形成与发展，它们有的是世界性的，也有的只限于某些特定的地区，而这些在现在，我们很难评估它们在设计史上的价值和地位，也难推断其将来发展的可能性。但是笔者仍试图从几个方面概述受现代艺术影响的现代平面设计的一些发展趋向。由于各种条件的限制，这种概述肯定具有一定的片面性，因为只有随着时间的推移，人们才能逐步地正确认识现在正在发生的这部分“历史”。当然，在最后，艺术也罢，设计也罢，它们虽然在分离中各有所求，但有一点是一致的，那便是通过视觉的魅力与精神显现，共同满足了人类的多样需求和与之相对应的对理想生活方式的期望。
参考文献：
[1]世界平面设计史 王受之著 中国青年出版社2002年
[2]现代招贴艺术史 朱国勤著 上海书店出版社2000年
[3]平面设计史 菲利普·梅格斯著 云南人民出版社 1981年
[4]20世纪风格与设计 斯蒂务·贝利·菲利普·加纳著 四川人民出版社 2000
你可以就"菜鸟如何设计出好的广告"
或"什么是平面设计"作为你毕业论文的主题
下面的资料给你参考
资料一
一个好的广告的标准
一个优秀的广告并不是以美观（当然这些是必不可少的）来衡量的，而是看它是否适合你的广告对象。说白了就是它是否能够刺激销售。
优秀创意人的基本素质
理性和感性兼备，具有广泛的知识面和丰富的生活阅历。
理性：分析总结广告逻辑的合理性。
感性：快速感应所适合版面的色彩、位置、大小以及应该赋予消费者的感觉...。
对于图片的注意事项：
1、图片必须有一个鲜明的主体。
2、图片宜产生一悬念，用以吸引观看。
3、功能性产品的图片，使用前后对比极有说服力。
4、照片的吸引力更胜手绘。
5、使用明星照片能加强记忆力。
6、图片中只需重点突出一个卖点，不宜过于繁复。
7、人物脸部不宜大与实际尺寸。
8、过于历史性的图片无吸引力。
9、以目标消费对象的心态来考虑图片主体。
10、“婴儿”、“小动物”、“性”为主体的图片最具影响力。
11、男性产品使用性感女郎可能会造成男性对产品的忽视。
12、彩色图片的吸引力比黑白的高出1倍。
13、食品类广告馋涎欲滴的照片必不可少。
对于排版的注意事项：
1、重要的英语标题不宜使用全大写。（降低认知度）
2、标题不宜重叠与图片之上。（干扰视线）
3、标题中无标点。（通常情形下）
4、内文每行不宜过长。（人们习惯阅读的文字为每行40字）
5、内文排列必须有条理有规律，不能过于凌乱（不便阅读）。
6、内文宜使用白底黑字，细线体字。（有助阅读）
7、深底反白的内文极难阅读。（加快眼部疲劳）
8、如内文很长如何处理？
●标题与内文间穿插副标题。
●内文首字放大。
●内文中穿插小标题。
●段末留白，分清段落。
●重要段落或语句加粗。
●使用符号引导视线。
9、中文的标点符号一直是中文字体的败笔，空隙太大，使得排版中（尤其是内文）会出现很多漏洞，使整个排版不严谨、不精致，建议将所有标点符号的字距缩小50%。
10、内文文字大小控制在7－9Pt。
资料二
当今，有一点可以肯定的是，设计的领域在扩大，这是一个需要设计的世界。拒最新的统计资料显示，中国目前已有正规的设计学院教学机构700多所，并且还在不断的增加当中。就学人数则呈倍数增长，这使本以师资力量和质量缺乏的设计教育更是疲于应付，力不从心况且中国本身并不具备理论方面的基础，对设计的理解和认识水平太底造成设计教育水平低劣的事实，设计师成为没有原则惟利是图的九流之辈。并间接对我们的生存空间造成巨大的视觉污染。谁为我们的视觉空间负责？！
本文虽从大设计概念出发，但在论述过程当中更偏向于平面设计方向，总结设计、平面设计的知识结构，平面设计的技巧，平面设计的设计元素，平面设计的手法，平面设计的风格等等，根据我个人的认识，并结合很多资料，进行一些浅显的讨论，目的是为了能够揭示设计的基本问题及核心精神。对设计师个人起着普遍意义和作用的问题的总结，使设计人员能够明白这一职业自己的知识结构、素养、原则、职业道德、责任等等。
论文中的内容，为避免教条化，请考虑到理论与实践当中的差距作为对设计的认识、思维的方法论，其只具有一般性的指导作用。
第一章：理解平面设计
了解设计的定义和概念将是了解设计的第一步，有助于了解我们作为一名准平面设计师的职责范围。
第一节：平面设计的正名与分类
设计一词来源于英文"design"，包括很广的设计范围和门类建筑：工业、环艺、装潢、展示、服装、平面设计等等,而平面设计现在的名称在平常的表述中却很为难，因为现在学科之间的交叉更广更深，传统的定义，例如现行的叫法“平面设计（graphis design）视觉传达设计、装潢设计……，这也许与平面设计的特点有很大的关系，因为设计无所不在、平面设计无所不在，从范围来讲用来印刷的都和平面设计有关，从功能来讲“对视觉通过人自身进行调节达到某种程度的行为”，称之为视觉传达，即用视觉语言进行传递信息和表达观点，而装潢设计或装潢艺术设计则被公认为极不准确的名称，带有片面性。
现在，在了解了对平面设计范围和内涵的情况下，我们再来看看平面设计的分类，如形象系统设计、字体设计、书籍装帧设计、行录设计、包装设计、海报/招贴设计……可以这样说有多少种需要就有多少种设计。
另外，商业设计与艺术设计很显然是存在的。
第二节：平面设计的概念
设计是有目的的策划，平面设计是这些策划将要采取的形式之一，在平面设计中你需要用视觉元素来传播你的设想和计划，用文字和图形把信息传达给受众，让人们通过这些视觉元素了解你的设想和计划，这才是我们设计的定义。一个视觉作品的生存底线，应该看他是否具有感动他人的能量，是否顺利地传递出背后的信息，事实上她更象人际关系学，依靠魅力来征服对象，你的设计有抓住人心的魅力吗？是一见钟情式的还是水到渠成式的，你需要象一个温文尔雅的绅士还是一个不修边幅的叛逆之子，或是治学严谨的学者。事实上平面设计者所担任的是多重角色，你需要知己知彼，你需要调查对象，你应成为对象中的一员，却又不是投其所好，夸夸其谈，你的设计代表着客户的产品，客户需要你的感情去打动他人，你事实上是“出卖”感情的人，平面设计是一种与特定目的有着密切联系的艺术。
第三节：平面设计的特征
设计是科技与艺术的结合，是商业社会的产物，在商业社会中需要艺术设计与创作理想的平衡，需要客观与克制，需要借作者之口替委托人说话。
设计与美术不同，因为设计即要符合审美性又要具有实用性、替人设想、以人为本，设计是一种需要而不仅仅是装饰、装潢。
设计没有完成的概念，设计需要精益求精，不断的完善，需要挑战自我，向自己宣战。设计的关键之处在于发现，只有不断通过深入的感受和体验才能做到，打动别人对与设计师来说是一种挑战。设计要让人感动，足够的细节本身就能感动人，图形创意本身能打动人，色彩品位能打动人，材料质地能打动人、……把设计的多种元素进行有机艺术化组合。还有，设计师更应该明白严谨的态度自身更能引起人们心灵的振动。
第二章：平面设计之路
设计的学习可能有很多不同的路，因为这是有设计的多元化知识结构决定的，不管你以前是做什么的，不管你曾经如何如何，在进入设计领域之后，你以前的阅历都将影响你，你都将面临挑战与被淘汰的可能，正如，想要造就伟大永远不可能是依靠人们的主观愿望所能达到的一样……
第一节：你确认你要进入这一领域吗？--设计师的知识结构
设计多元化的知识结构必将要求设计人员具有多元化的知识及信息获取方式。
第一步：从点、线、面的认识开始，学习掌握平面构成、色彩构成、立体构成、透视学等基础；我们需要具备客观的视觉经验，建立理性思维基础，掌握视觉的生理学规律，了解设计元素这一概念。
第二步：你会画草图吗？1998澳大利亚工业设计顾问委员会调查结果，设计专业毕业生应具备的10项技能第一位就是：“应有优秀的草图和徒手作画的能力，作为设计着应具备快而不拘谨的视觉图形表达能力，绘画艺术是设计的源泉，设计草图是思想的纸面形式，我们有理由相信，绘画是平面设计的基础，平面设计的设计的基础！”
第三步：你还缺少什么？缺少对传统课程的学习，如陶艺、版画、水彩、油画、摄影、书法、国画、黑白画等等，太多太多，你还是问问自己吧！不管如何这些课程将在不同层次上加强了你设计的动手能力、表现能力和审美能力，他们最关键的是让你明白什么是艺术，更重要的是你发现你自己的个性，但这也是一个长期的过程。
第四步：“我可以开始设计了吗”？当然不行，你要设计什么？正如你要开始玩游戏了，你了解游戏规则吗？不过你不用担心，你已经进入了专业自身的学习，同时也意味着你才刚刚开始，你将不折不挠，不浮躁不抱怨、务实的、实事求事的态度步入这一领域。我们以标志设计为例，我们需要具备什么样的背景知识，标志的意义、标志的起源、标志的特点、标志的设计原则、标志的艺术规律、标志的表现形式，标志的构成的手法、我们需要理解为什么？为什么可口可乐会红遍全球；为什么我们渴望穿Lee牌牛仔裤？作为一名设计师，你对我们周围的视觉环境满意吗？问问自己，你的设计理想是什么？
第五步：你能辨别设计的好坏，知道为什么吗？上一步通过对设计基础知识的学习，不知不觉你已经进入了设计的模仿阶段，为了向前我们必须回顾历史，既而从理论书籍的学习转变为向前辈及优秀设计师学习。这个阶段伴随着一个比较长期的一个过程，你的设计水平可能会很不稳定，你有时困惑、有时欣喜，伴随着大量的实践以及对设计整个运转流程逐渐掌握，开始向成熟设计师迈进。
你需要学会规则，再打破规则。
第二节：你能成为优秀出众的设计师吗？--对设计师的要求
1、成功的设计师应具备以下几点：
A、强烈敏锐的感受能力
B、发明创造的能力
C、对作品的美学鉴定能力
D、对设计构想的表达能力
E、具备全面的专业智能
现代设计师必须是具有宽广的文化视角，深邃的智慧和丰富的知识；必须是具有创新精神知识渊博、敏感并能解决问题的人，应考虑社会反映、社会效果，力求设计作品对社会有益，能提高人们的审美能力，心理上的愉悦和满足，应概括当代的时代特征，反映了真正的审美情趣和审美理想。起码你应当明白，优秀的设计师有他们“自己”的手法、清晰的形象、合乎逻辑的观点。
2、设计师一定要自信，坚信自己的个人信仰、经验、眼光、品味。不盲从、不孤芳自赏、不骄、不浮。以严谨的治学态度面对，不为个性而个性，不为设计而设计。作为一名设计师，必须有独特的素质和高超的设计技能，即无论多么复杂的设计课题，都能通过认真总结经验，用心思考，反复推敲，汲取消化同类型的优秀设计精华，实现新的创造。
3、平面设计作为一种职业，设计师职业道德的高低和设计师人格的完善有很大的关系，往往决定一个设计师设计水平的就是人格的完善程度，程度越高其理解能力、把握权衡能力、辨别能力、协调能力、处事能力……将协助他在设计生活中越过一道又一道障碍，所以设计师必须注重个人的修为，文人常说：“先修其形，后练其品”。
4、设计的提高必修在不断的学习和实践中进行，设计师的广泛涉猎和专注是相互矛盾又统一的，前者是灵感和表现方式的源泉，后者是工作的态度。好的设计并不只是图形的创作，他是中和了许多智力劳动的结果，涉猎不同的领域，担当不同的角色，可以让我们保持开阔的视野，可以让我们的设计带有更多的信息。在设计中最关键的是意念，好的意念需要学养和时间去孵化。设计还需要开阔的视野，使信息有广阔的来源，触类旁通是学习平面设计的重要特点之一，艺术之间本质上是共通的，文化与智慧的不断补给是成为设计界长青树的法宝。
5、有个性的设计可能是来自扎跟于本民族悠久的文化传统和富有民族文化本色的设计思想，民族性和独创性及个性同样是具有价值的，地域特点也是设计师的知识背景之一。未来的设计师不再是狭隘的民族主义者，而每个民族的标志更多的体现在民族精神层面，民族和传统也将成为一种图式或者设计元素，作为设计师有必要认真看待民族传统和文化。
第三章：平面视觉的科学
视觉会给人带来一连串的生理上的、心理上的、情感上的、行动上的反应，设计是视觉经验的科学，他包括两个方面，一个是不以人为而改变的即生理感受的人的基本反应，另一个是随即的或不确定因素构成。如个人喜好，性格等等、等等。
一、相对稳定的方面：
主要是生理上的视知觉，人们的一些视觉习惯、视觉流程、视觉逻辑，如从上到下，从左到右，喜欢连贯的、重复，喜欢有对比的，还有在颜色方面人们最喜欢的其实是有对比的互补色等等。这都是跟人们的生理上的习惯有关，都是人生理机能的本能反应。作为设计师应该对这些知识能充分了解、灵活运用，设计是对人本的关注，首先应对文化与人的感知方式这些相对稳定的方面进行研究，并且需要我们在实践中去总结。
二、不稳定的方面：
不稳定的方面主要是指情感、素质、品位、阅历上的不同，在设计过程中你需要具备一定的判断和把握能力，你需要客观和克制，才能完成卓越的设计。
三、设计思维的科学：
设计是必须具有科学的思维方法，能在相同中找到差别，能在不同当中找到共同之处，能掌握运用各种思维方法，如纵向关联思维和横向关联思维以及发散式的思维，善于运用科学的思维方式找到奇特的新的视觉形象，才能不断发现新的可能。
平面视觉的科学其实是一个很大很深的学问，只有在这门学问的健全和深入的推广，才能保证设计水平的普遍提高。在这里只是抛砖引玉式的提出这一观点，还需要日后结合其他学科的研究成果进行系统的整理和论述。
第四章：平面设计的一般流程
平面设计的过程是有计划有步骤的渐进式不断完善的过程，设计的成功与否很大程度上取决于理念是否准确，考虑是否完善。设计之美永无止境，完善取决于态度。
一、调查
调查是了解事物的过程，设计需要的是有目的和完整的调查。背景、市场调查、行业调查（关于品牌、受众、产品……）、关于定位、表现手法、……调查是设计的开始和基础（背景知识）。
二、内容
内容分为主题和具体内容两部分，这是设计师在进行设计前的基本材料。
三、理念
构思立意是设计的第一步，在设计中思路比一切更重要。理念一向独立于设计之上。也许在你的视觉作品中传达出理念是最难的一件事。
四、调动视觉元素
在设计中基本元素相当于你作品的构件，每一个元素都要有传递和加强传递信息的目的。真正优秀的设计师往往很“吝啬”，每动用一种元素，都会从整体需要出发去考虑。在一个版面之中，构成元素可以根据类别来进行划分，如可以分为：
标题、内文、背景、色调、主体图形、留白、视觉中心等等。平面设计版面就是把不同元素进行有机结合的过程。例如在版式当中常常借助框架（也叫骨骼），就有很多种形式，规律框架和非规律框架，可见框架和隐性框架；还有在字体元素当中，对于字体和字型的选择和搭配的好坏就是一个非常有讲究的。选择字体风格的过程就是一个美学判断的过程，还有在色彩这一元素的使用上，能体现出一个设计师对色彩的理解和修养。色彩是一种语言（信息），色彩具有感情，能让人产生联想，能让人感到冷暖、前后、轻重、大小等等。善于调动视觉元素是设计师必备的能力之一。
五、选择表现手法
手法即是技巧，在视觉产品泛滥的今天要想把受众打动以并非易事，更多的视觉作品已被人们的眼睛自动的忽略掉了。要把你的信息传递出去有几种方法呢？一种是完整完美的以传统美学去表现的设计方式，会被受众欣赏阅读并记住。二种是用新奇的或出奇不意的方式可以达到（包括在材料上）三种是疯狂的广告投放量，进行地毯式的强行轰炸。而我们更需要那一种呢？虽然三种方法都能达到目的，但我们清楚他们的回报是不同的。
我们在三大构成中学过很多种图形的处理和表现手法，如对比、类比、夸张、对称、主次、明暗、变异、重复、矛盾、放射、节奏、粗细、冷暖、面积等形式。另外还有从图形处理的效果上又有手绘类效果，如油画、铅笔、水彩、版画、蜡笔、涂鸦……还有其他的如摄影、老照片、等等。那么你要选择那一种呢？这取决于你的目的和目标群体，以及你的设计水平。
六、平衡
平衡能带来视觉及心理的满足，设计师要解决画面当中力场的平衡，前后衔接的平衡，平衡感也是设计师构图所需要的能力，平衡与不平衡是相对的，以是否达到主题要求为标准。平衡分为对称平衡和不对称平衡，包括点、线、面、色、空间的平衡。
七、出彩
记住，你要创造出视觉兴奋点来升华你的作品。
八、关于风格
作为设计师有时是反对风格的，固定风格的形成意味着自我的僵死，但风格同时有是一个设计师性格、喜好、阅历、修养的反映，也是设计师成熟的标志，以为“了解大同，才能独走边缘”。
九、制作
检查项目包括：图形、字体、内文、色彩、编排、比例、出血……
要求：视觉的想象力和效果要赏心悦目，而更重要的是被受众理解！
如果你有一双发现美的眼睛
你可以把设计作为一种生活的方式
愿你生活并快乐、幸福着！！！
另外,站长团上有产品团购,便宜有保证